VON TORSTEN SCHWANKE
ERSTES KAPITEL
Musik ist eine der inspirierendsten Formen der bildenden Kunst. Musik vermittelt in ihrem Rhythmus, ihrer Melodie, ihrer Harmonie und Dynamik, ihrer Vielfalt an Klängen, Schattierungen und Nuancen eine unendliche Bandbreite an Gefühlen und Empfindungen. Seine Kraft liegt in seiner Fähigkeit, die Vernunft zu umgehen, direkt in die Seele, ins Unterbewusstsein einzudringen und die Gefühle eines Menschen zu manipulieren. Abhängig von ihrem Inhalt kann Musik die erhabensten und edelsten Gefühle hervorrufen, indem sie beispielsweise dabei hilft, Empathie für das Gebet zu erzeugen – oder das Gegenteil bewirken, indem sie die sündhaftesten und niederträchtigsten Wünsche weckt.
Seit jeher begleitet melodiöse Musik das Gebet und den Gottesdienst. (Genesis 4,21, 31,27; Exodus 32,18, Richter 11,34; Ecc. 2,8). König David wurde von Gott mit herausragenden poetischen Talenten ausgestattet und verfasste viele inspirierende Gebete und Psalmen, die er mit seinem Hackbrett begleitete. Nach seiner späteren Erhebung zum König von Israel führte David das Singen von Psalmen während der Gottesdienste ein und ernannte regelmäßige Sänger und Musiker für diese Aufgabe. Aufgrund ihrer großen Popularität wurden die Psalmen Davids zu einem unverzichtbaren Bestandteil des Gottesdienstes – nicht nur im Alten Testament, sondern auch in der christlichen Liturgie. Viele Psalmen Davids, die (hauptsächlich von russischen Komponisten) verschönert wurden, schmücken unsere Gottesdienste. Die Heilige Schrift ermutigt zu ruhigem Singen, das eine Gebetsstimmung schafft. Apostel Jakobus rät beispielsweise: „Leidet jemand unter euch? Er bete. Ist jemand fröhlich? Er singe Psalmen.“ Apostel Paulus gibt einen ähnlichen Rat: „Lehrt und ermahnt einander in Psalmen und geistlichen Liedern und singt mit Gnade im Herzen dem Herrn“ (1. Samuel 16, 16-23; 2. Samuel 6, 5-23, 22, 1; 1 Chron. 6, 31; 2. Chron. 29, 25; Jakobus 5,13; Ephes. 5,19; Kol. 3,16).
Zeitgenössische medizinische Experimente haben den positiven Einfluss ruhiger klassischer Musik auf den Genesungsprozess von Patienten nachgewiesen. Dies wurde von Dr. Clyde Nash, einem Chirurgen, zum Ausdruck gebracht im St. Lukas-Krankenhaus in Cleveland, Ohio. Ein weiterer Arzt, Dr. Mathew Lee, Direktor des Rusk Rehabilitation Institute bei der New York Universität Medizinischem Center, sagte Folgendes: „Wir haben bestätigt, dass Musik dazu beiträgt, schwerwiegende Komplikationen während einer Krankheit zu vermeiden, das Wohlbefinden der Patienten zu verbessern und Krankenhausaufenthalte zu verkürzen.“ „Natürlich“, sagt ein Musiktherapeut aus Cleveland Deforia Lane, „Musik ist keine Zauberei, aber im Krankenhaus oder zu Hause, für junge oder ältere Menschen, kann sie eine wirksame Medizin sein, die uns allen hilft“. Dieser Artikel enthält auch weitere dokumentierte Fakten über die Vorteile ruhiger Musik. Vor einigen Jahren erschienen in einigen amerikanischen Fachzeitschriften Artikel über Experimente zum Einfluss von Musik auf Pflanzen. Diese Experimente ergaben, dass friedliche Musik das Wachstum und die Entwicklung einiger Büsche und Blumen förderte, während gewalttätige Musik sie verdorren ließ. In Deutschland begannen einige Landwirte, beim Melken ruhige Musik zu hören. Diese Experimente zeigen, dass nicht nur Menschen auf Musik reagieren.
Der berühmte Philosoph Platon (427-347 v. Chr.) war der Ansicht, dass Gott den Menschen die Neigung eingepflanzt hatte, Klänge nicht auf zufällige Weise, sondern unter dem harmonischen Einfluss der spirituellen Welt zu erzeugen und zu integrieren (Ion, Republik). Aristoteles (384-322 v. Chr.) wies auf die Bedeutung der Musik für die Kindererziehung hin. In seiner „Politik“ schrieb er, dass der Einfluss der Musik so groß sei, dass ihre verschiedenen Formen und Genres entsprechend dem Einfluss auf den Charakter einer Person klassifiziert werden könnten. Der Musiker Boethius aus dem 6. Jahrhundert schrieb: „Musik ist ein Teil von uns und sie veredelt oder erniedrigt unser Verhalten“ (De Institutione Musica). Tozer bemerkte: „Wenn du die falsche Art von Musik liebst und hörst, wird dein Innenleben verkümmern und sterben“.
Dr. Howard Hansen, ehemaliger Direktor der Eastmont School of Musical, veröffentlichte seinen folgenden Kommentar im American Journal of Psychiatry: „Musik ist eine seltsam subtile Kunst mit unzähligen unterschiedlichen emotionalen Konnotationen. Sie besteht aus viele Zutaten, und je nach den Anteilen dieser Komponenten kann es beruhigend oder belebend, veredelnd oder vulgarisierend, philosophisch oder orgiastisch sein. Es hat Kräfte sowohl zum Bösen als auch zum Guten.“ Musik ist nicht nur eine Form der Unterhaltung, sondern gewissermaßen eine „Predigt“. Es ist ein unveränderlicher Ausdruck der Lebensauffassung des Komponisten und kann eine starke Waffe im Guten wie im Bösen sein. Gott inspiriert Komponisten mit guten Absichten und beeinflusst durch ihre Musik die spirituellen Stimmungen der Menschen. Auch Satan versucht dies durch Menschen zu erreichen, die sich von Gott abgewandt haben.
Obwohl jeder Mensch das Recht hat, seinen persönlichen Musikgeschmack zu bewahren, sollte man bei der objektiven Beurteilung musikalischer Kompositionen dennoch seinen gesunden Menschenverstand anwenden. Jeder Christ muss in der Lage sein, zwischen Keuschem und Verdorbenem in der Musik, aber auch in Filmen, bildenden Künsten und Literatur zu unterscheiden. In diesen verschiedenen Zweigen der Künste ist häufig eine Mischung aus Gut und Böse zu beobachten, wobei christliche Überzeugungen es ermöglichen sollten, die Grenze zwischen beiden zu ziehen. Es ist dieses von der Heiligen Schrift geleitete religiöse Gefühl, das dem Christen als treuer Leitfaden erscheint.
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Zeitgenössische Komponisten der Rockmusik sind sich alle einig, dass ihre Schöpfungen eine immense Kraft haben. Frank Zappa schrieb zum Beispiel im Life-Magazin: „Die Art und Weise, wie Geräusche den menschlichen Organismus beeinflussen, ist vielfältig und subtil. Die lauten Geräusche und hellen Lichter von heute sind enorme Indoktrinationswerkzeuge“. Slash, der Leadgitarrist der Guns n' Roses, erklärt: „Ich meine, das ist ernst. Es ist meine Musik, die das Leben von Menschen beeinflusst, die du nicht einmal kennst, was definitiv eine beängstigende Sache ist, so viel Macht zu haben.“ Hal Ziegler, einer der ersten Vertreiber von Rockmusik, schrieb in den 50er Jahren: „Mir ist klar, dass diese Musik bei den Jugendlichen ankam, weil der große Beat den großartigen Rhythmen des menschlichen Körpers entsprach. Ich wusste es und wusste, dass es nichts gab, was irgendjemand sonst hätte. Ich konnte nichts tun, um das aus ihnen herauszuholen. Ich wusste außerdem, dass sie das den Rest ihres Lebens mit sich herumtragen würden.“
Eltern sollten den enormen Einfluss der Rockmusik auf ihre Kinder nicht ignorieren. Das Wertesystem eines Menschen entsteht im Kindes- und Jugendalter.
Psychologen, die sich auf den Einfluss von Musik auf den Menschen spezialisiert haben, sind sich einig in ihren Warnungen vor Rockmusik. Der bekannte Psychologe John Kappas zeigte, dass Menschen „wirklich empfänglich für bewusste Botschaften auf einer Schallplatte sind und dass durch Musik und Reizüberflutung Erregung und Melancholie erzeugt werden können. Jedes Mal, wenn man den Geist überlastet, wird die Person sehr beeinflussbar. Das wird sie. Sie nehmen alles auf, was Sie zu diesem Zeitpunkt vorschlagen, weil sie keine Abwehr dagegen haben. Menschen können Konzerte in einem hypersuggestiblen Zustand verlassen. Musik hat die Tendenz, das Denken zu entschärfen und Stimmungen zu erzeugen. Und im Gegenzug sickern die Botschaften dadurch ein.“
Ärzte sind besorgt über den negativen Einfluss von Rock'n'Roll auf die Jugend. Aktuelle Forschungsergebnisse kommen zu dem Schluss, dass junge Menschen schon in sehr jungen Jahren Verhaltensstandards erarbeiten müssen, die den Standards von Erwachsenen entsprechen. In diesem Zusammenhang hat sich die Musik – ein kraftvoller Impuls im Leben eines jungen Menschen – in eine prekäre Richtung entwickelt. Der Text einiger Lieder ist voller unmoralischer und gewalttätiger Inhalte und gerät in offenen Konflikt mit den Geboten der Erwachsenengeneration hinsichtlich Zurückhaltung und vernünftigem Verhalten. Ärzte müssen die Bedeutung der Musik im Leben junger Menschen berücksichtigen und ihren Musikgeschmack als Indikator für ihre emotionale und geistige Gesundheit nutzen.
In seinem Buch The Closing of the American Mind äußerte der Soziologe Allan Bloom seine Besorgnis über den Einfluss, den Rockmusik auf Kinder, Jugendliche und Studenten hat. Dr. Bloom bestätigt, dass junge Menschen, die unreife Vorstellungen von Sex haben, sich nicht normal entwickeln können. Im Gegenteil: Die Rockmusik bombardiert sie mit Botschaften von Erwachsenensex und sogar Abweichungen und drängt sie zu korruptem, sinnlichem Verhalten. Sie übernehmen diese Tendenzen, während sich ihr Verständnis noch entwickelt. Nach Ansicht von Dr. Bloom untergräbt Rockmusik in der amerikanischen Kultur die Autorität der Eltern hinsichtlich der moralischen Erziehung ihrer Kinder.
Ein Schulspezialist mit großer Erfahrung im Umgang mit schwierigen Kindern bestätigt: „Der Einfluss der Rockmusik kam in meinen Beratungsgesprächen mit Schülern immer wieder zum Vorschein. Immer wieder sah ich, wie ihre Handlungen das unmoralische Verhalten ihrer Rockstars nachahmten. Die Kinder zeigten ihre Loyalität, Sie erkennen sie an dem Vokabular, das sie gelernt haben, an den Liedtiteln, die sie auf ihre Buchumschläge gedruckt haben, an den Plakaten, die sie zu Hause an die Wände ihrer Zimmer gehängt haben, an der Musik, die sie in ihren Autos gehört haben, und an der Kleidung, die sie trugen“.
Der Schulberater und Spezialist für Rockmusik Al Menconi erklärte: „Das Traurige ist, dass die Mehrheit der christlichen Kinder, mit denen ich in Kontakt komme, eine stärkere Bindung zu ihrer Musik haben als zu Jesus. Musik ist die Sprache der heutigen Generation. Ich glaubte, Gruppenzwang zu verstehen, bis ich ihn bei meiner 12-jährigen Tochter Anna aus erster Hand beobachtete. Der Druck, der auf ihr lastet, sich dem Lebensstil von Bon Jovi, Guns n' Roses, Bobby Brown, Madonna und George Michael anzupassen, ist unglaublich. Jeden Tag identifizieren Kinder anhand ihrer Rockstars, wer sie sind. Ihre Helden beeinflussen ihre Werte. Und ihre Werte beeinflussen, wer sie sind. Die jungen Menschen von heute hören keine Rockmusik, sie erleben sie. Es ist ihre Identität.“
Eine sehr aufschlussreiche Quelle dokumentierter Daten ist eine Sammlung von Interviews führender Rockgruppen auf MTV „Rockumentary“. Hier wird der selbstzerstörerische Lebensstil der führenden Rockfiguren in seiner ganzen Klarheit deutlich: Drogenmissbrauch, sexuelle Freizügigkeit, Alkoholismus, Nihilismus, Hedonismus, Ungehorsam, Anarchismus und eine Vorliebe für Okkultismus. Zum Beispiel am 3. August 1991: Die Musiker von Motley Crew erkannten ihren ausschweifenden Lebensstil an, der für sie zur Normalität geworden ist. Ihr Lebensstil hatte sie auf ein so animalisches Niveau degradiert, dass ihnen schließlich ganz klar wurde, dass sie sich für einen von zwei Wegen entscheiden mussten: entweder ihren Lebensstil ändern oder sich auf den Tod vorbereiten. Leider verstehen das viel zu wenige, während der destruktive Lebensstil von Rockstars infiziert weiterhin die Jugend.
Die Einflüsse einiger Formen der Rockmusik sind so gravierend, dass viele Staaten in den USA verlangen, dass alle potenziell gefährlichen Schallplatten und Kassetten eine verbindliche Bewertung ihres Inhalts enthalten. Etwa 19 Bundesstaaten erwägen Gesetze, die vorschreiben, dass auf dem Album die erforderliche Warnung für den Benutzer angebracht werden muss. Organisationen wie die National Parent Teacher's Association, die amerikanische Akademie der Pädiatrie und der Generalchirurg hat seine Besorgnis über den negativen Einfluss dieser Art von Musik auf Kinder und Jugendliche zum Ausdruck gebracht. Die dem Repräsentantenhaus vorgelegten Gesetze bieten eine nützliche Zusammenfassung dessen, worüber sich die Menschen Sorgen machen:
1. „Die Medien der Musik, Texte und visuelle Bilder haben, einzeln und insbesondere in Kombination, seit Beginn der Plattengeschichte einen tiefgreifenden Einfluss auf die Gesellschaft und ihre einzelnen Mitglieder im Guten wie im Schlechten.“
2. „Bestimmte Musik und Musikvideos fördern negative Gedanken und Verhaltensweisen, indem sie Gewalt, Vandalismus, Vergewaltigung, Mord, Drogenmissbrauch, Selbstmord, Menschenopfer, Erniedrigung von Frauen, Kindern und menschlichem Leben, Bestialität, Sadismus, Masochismus usw. vorschlagen, befürworten oder ermutigen andere Perversionen.“
3. „Solch unanständiges und negatives Material richtet sich allzu oft an Jugendliche im leicht zu beeinflussenden Teenager- und sogar im Vorpubertätsalter.“
4. „Solches Material ist fast überall für jeden verfügbar, unabhängig vom Alter, der über ausreichend Geld verfügt.“
Ganz gleich, wie man mit Rockmusik umgeht, man kann ihren dominierenden Einfluss auf die Weltanschauung und das Verhalten junger Menschen grundsätzlich nicht leugnen. Video-Rock, ihre Konzerte und Texte sind kraftvolle Predigten, die von Teenagern hungrig aufgenommen werden. In den nächsten Abschnitten werden wir Fakten über den Einfluss von Rockmusik auf die Gefühle, das Verhalten und die religiöse Stimmung unserer Jugend darlegen.
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Fakten zeigen, dass Rockmusik zu lockerer Ausschweifung anregt. In „US News and World Report“ vom 19. März 1990 wird berichtet, dass es derzeit 13 Rockgruppen gibt, die nach männlichen Geschlechtsorganen benannt sind, 6 nach weiblichen Geschlechtsorganen benannt sind, 4 nach Variationen des Wortes „Sperma“ benannt sind, 8 benannt mit Wörtern, die mit Abtreibung in Verbindung stehen, 1 benannt nach einer Erkrankung der Gebärmutter. Darüber hinaus gibt es 10 Gruppen, die zu Ehren verschiedener sexueller Handlungen benannt sind, während die Namen von 8 Gruppen Schimpfwörter gegen Mütter enthalten.
Zeitgenössische Rockmusik ist durchdrungen von Elementen des außerehelichen Zusammenlebens, der Untreue, des Sadismus und Masochismus, der Homosexualität, der Vergewaltigung und der Nekrophilie. Rockmusik ermutigt oft zum Sex mit jedem, den man mag. Von „Sexual Healing“ des verstorbenen Marvin Gaye über „Body Language“ von Queen, „I Want Your Sex“ von George Michael, „Chemical Reaction“ von Madonna bis hin zu „Still of the Night“ von White Snake und den Texten von Prince und unzähligen anderen das Thema ist dasselbe: Förderung sexueller Zügellosigkeit.
Offensichtlich werden die in den meisten Rockkompositionen enthaltenen Elemente der Verschwendung verschleiert, damit sie als etwas Attraktives angeboten werden können. Gleichzeitig und parallel dazu kommt es zu einem völligen Verfall des Verständnisses von Frau, Mutter, Jungfrau, Braut. Sie alle werden zu Objekten ungezügelter, animalischer sexueller Lust. Zum Beispiel: „Eat Me Alive“, „Dungeon of Pleasure“, „Die Schlampe ist gefesselt und hilflos, sie schreit nach mehr. Das süße und unschuldige Mädchen ist wirklich hart im Nehmen“ und ähnliche Titel preisen sexuelle Ekstase, bei der ein Abweichler auftaucht mit einer Waffe und zwingt andere, das zu tun, was er will. Um den Leser nicht in Verlegenheit zu bringen, werden wir verschiedene andere Passagen durchgehen, die diesen Aspekt der Rockmusik dokumentieren.
Allan Bloom hat völlig recht, wenn er behauptet, dass „Rockmusik nur einen einzigen Reiz, einen barbarischen Reiz, auf sexuelles Verlangen hat – nicht auf Liebe, sondern unentwickeltes und ungeschultes sexuelles Verlangen. Rock gibt Kindern auf einem silbernen Teller alles, die öffentliche Autorität der Unterhaltungsindustrie, alles, was ihnen ihre Eltern immer gesagt haben, worauf sie warten müssen, bis sie erwachsen sind. Junge Leute wissen, dass Rock den Takt des Geschlechtsverkehrs hat. Noch nie wurde eine solche Kunstform inszeniert also ausschließlich für Kinder. Die Worte beschreiben implizit und explizit körperliche Handlungen, die das sexuelle Verlangen befriedigen, und betrachten sie als deren einzig natürlichen und routinemäßigen Höhepunkt für Kinder, die noch nicht die geringste Vorstellung von Liebe, Ehe oder Familie haben. Das hat viel stärkere Wirkung, die Pornografie auf Jugendliche ausübt, man hat kein Bedürfnis, anderen dabei zuzusehen, wie sie grob das tun, was sie selbst so leicht tun können. Voyeurismus ist für die alten Perversen; aktive sexuelle Beziehungen sind für die Jungen. Alles, was sie brauchen, ist Ermutigung.“
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Ein Konzert der Gruppe „Guns N‘ Roses“ endete, als die wütende Menge von 2500 Jugendlichen einen Aufstand veranstaltete, bei dem 60 von ihnen verletzt wurden. Die Zeitschrift Rolling Stone berichtete, dass sich die Teilnehmer dieses Konzerts „zu einem wütenden, unkontrollierbaren Mob entwickelten, der Flaschen warf, Sitze zerstörte, Büsche auseinanderriss, Instrumente zerschmetterte und in Brand steckte. Dieser Aufstand dauerte über eine Stunde, bevor eine Gruppe von Spezialpolizei eintraf, um die Ordnung wiederherzustellen.“ Diese Art von Gewalt ist kein Einzelfall.
Manchmal führt dieses hektische Verhalten bei Rockkonzerten zu Morden. In einer Stadt namens Jefferson-Township (New Jersey) erstach ein Jugendlicher namens Thomas Sullivan seine Mutter Betty-Anne im Keller ihres Hauses. Er zündete den Diwan an, um das Haus zu zerstören und seinen Vater und seinen jüngeren Bruder zu töten. Dann rannte er nach draußen und beging Selbstmord, indem er sich die Pulsadern aufschnitt. Die ganze Woche vor diesem Blutbad hatte Thomas einen Rocksong über Blut und das Töten deiner Mutter gesummt. Die Polizei stellte später fest, dass Thomas ein talentierter Student und herausragender Sportler war und zu den Pfadfindern gehört hatte. Er begann, sich mit „Hard Metal“-Rockmusik zu beschäftigen, und bevor er sein Verbrechen beging, vertraute er seinen Freunden an, dass ihm Satan erschienen sei und die Ermordung seiner Familie angeordnet habe.
Verschiedene Formen der Gewalt nehmen in der Rockmusik zu. Zum Beispiel hören wir in einem Lied mit dem Titel „I Kill Children“ der Rockgruppe Dead Kennedy: „Ich töte Kinder, ich liebe es, sie sterben zu sehen. Ich töte Kinder, um ihre Mütter zum Weinen zu bringen. Ich zerquetsche sie unter meinem Auto und ich liebe es, ihnen zuzuhören, wie sie schreien. Ich füttere sie mit Giftbonbons und verderbe ihnen Halloween. Ich töte Kinder, ich schlage ihre Köpfe in Türen. Ich töte Kinder, ich kann es kaum erwarten, dass deine Kinder kommen.“ Im Album „Hell Awaits“ der Band Slayer heißt es: „Kein erkennbares Motiv. Töte einfach und töte noch einmal. Überlebe meine brutale Hieb-Arbeit. Ich werde dich bis zum Ende jagen.“
Das Maskottchen von Iron Maiden ist „Eddy“, ein toter Mann, der mit großer Freude tötet. Laut dem Satanisten und brutalen Mörder Richard Ramirez war es das Lied „Night Prowler“ von AC/DC, das Teil seiner Motivation wurde, 30 Menschen zu ermorden. Er sagte, das Lied habe ihn „inspiriert“. „Night Prowler“ enthält die Strophe: „Niemand wird dich warnen, niemand wird Angriff! schreien. Und du kannst den Stahl nicht spüren, bis er dir aus dem Rücken hängt, ich bin dein Nachtschwärmer.“
Eine Studie ergab, dass von den 700 beliebtesten „Heavy Metal“-Songs 50 % von Tötungen, 35 % von Satanismus und 7 % von Selbstmord handeln. Sheila Davis, Professorin für Lyrik an der New York University, ist davon überzeugt, dass „es besser ist, dem Inhalt von Popsongs ernsthafte Aufmerksamkeit zu widmen und nicht nur zu bewerten, was die Texte der Gesellschaft sagen, sondern, was noch wichtiger ist, was sie möglicherweise damit machen.“
Der National Council of Churches veröffentlichte seine Erkenntnisse, dass das zunehmende aggressive Verhalten von Jugendlichen eine direkte Folge des gewalttätigen Inhalts zeitgenössischer Filme und Musik zu sein scheint.
Parallel zur inneren Aggressivität kann dieses destruktive Gefühl auftreten, das sich gegen den Musikhörer richtet. Einige Rockmusikkomponisten predigen Selbstmord – manchmal durch Andeutungen, manchmal direkt. Beispielsweise plädiert Ozzy Osbournes Song „Suicide Solution“ für Selbstmord: „Suicide – this is the only way out... Niemand kümmert sich darum / ich habe genug von mir selbst – ich will nicht leben / habe es satt zu leben – ich werde sterben / Selbstmord ist eine Alternative. Opfere dein Leben und begehe Selbstmord. Wenn du dies im Namen Satans tust, wirst du unsterblich, genau wie er!“ sind einige der Worte, die in einem der „Hard Metal“-Lieder gesungen werden, die Luzifer gewidmet sind.
Die Bildungspsychologin Dr. Hannelore Wass, die als Expertin für Tod und Sterben gilt, wies darauf hin, dass nur 17 % der Teenager Musik mit offensichtlich destruktiven Inhalten hören, während dieser Wert bei jugendlichen Kriminellen bei 40 % liegt. Darüber hinaus erkannten fast 50 % der Befragten die Möglichkeit an, dass diese Art von Liedern einen unausgeglichenen oder trauernden jungen Menschen tatsächlich zum Selbstmord neigen könnten. Dr. Wass kam zu dem Schluss, dass diese detaillierten Interviews mit jungen Menschen zeigen, dass Eltern darauf achten müssen, was ihre Kinder hören, und auf auftretende Symptome einer Anomalie achten.
Ähnliche Untersuchungen veranlassten die National Education Association zu dem Schluss, dass fast 6000 Selbstmorde bei Teenagern pro Jahr durch den Einfluss nihilistischer und fatalistischer Musik verursacht werden.
Dr. Morton Kurlan, ein Psychiater, dessen Patient John McCollum Selbstmord beging, nachdem er sich eine Schallplatte von Ozzy Osbourne angehört hatte, erklärte: „Sadomasochismus, Blut und Gewalt bringen den Produzenten von Rockvideos viel Geld ein, aber solche Dinge können ein emotional leidendes Kind über den Rand treiben“. Und es ist bekannt, dass Millionen junger Menschen von heute unter innerer Unruhe leiden. An dieser Stelle lohnt es sich zu bedenken, dass die entfremdeten nihilistischen und destruktiven Inhalte der Rockmusik tatsächlich die Gesinnung und das Leben der Rockstars widerspiegeln. Beispielsweise liefert die Biografie von Pink Floyd Saucerful of Secrets, geschrieben von den beiden ehemaligen Anführern der Band, anschauliche Beispiele für die persönliche Tragödie, die das Leben derjenigen heimsuchen kann, die Exzesse verherrlichen. Die Autoren Schwarz und Empey stellen fest: „Im Gespräch mit einigen der am Satanismus beteiligten Musiker sowie mit Einzelpersonen, die sie konsultiert haben – Forscher, Psychologen und Hellseher – wird ein Muster deutlich. Wie so viele andere, die den Satanismus dem Christentum vorgezogen haben, haben sie sich für den Satanismus entschieden, haben den Wunsch nach sofortiger Befriedigung und Selbstverwirklichung, Geldkontrolle. Macht. Sie wollen die Fantasie, ein besonderes Leben mit viel Reichtum führen zu können“, sagte ein Psychologe, zu dessen Praxis einige der größten Namen der Welt gehören. „Und sie sind bereit, jung zu sterben, um es abzubezahlen. Sie sehen, dass sie alles haben können, wenn sie früh ihr Leben geben.“
Die Realität dieser Aussage wird deutlich, wenn man die Nachrufe von Rockstars liest. Viele sind an Alkoholismus, Drogenmissbrauch oder Unfällen gestorben, die darauf zurückzuführen sind, dass sie unter dem Einfluss solcher Produkte standen.
Schon die Namen einiger „Heavy Metal“-Gruppen, auch bekannt als „Death Metal“, verherrlichen den Tod und sprechen von Zerstörung. Hier sind einige Beispiele: „Blessed Death“, „Carnivore“, „Coroner“, „Destruction“, „Mace“, „Malice“, „Overkill“, „Rotten Corpse“, „Sacrifice“, „Violence“ usw.
Brown und Hendee stellten fest, dass „mehrere Morde mit der Faszination für Heavy-Metal-Musik in Zusammenhang gebracht wurden und dass eine andere Verhaltensstudie ergab, dass gewalttätige Musikvideos die Zuschauer unmittelbar nach dem Ansehen gegenüber Gewalt desensibilisierten.“
Ein Psychiater teilte einem Senatsausschuss mit, dass Heavy-Metal-Musik „Gift“ für gestörte Jugendliche sei, ganz zu schweigen von Drogenabhängigen. Es sei, „als würde man Benzin in das bereits brennende Feuer des Hasses und der Ressentiments gießen“, sagte Dr. Paul King, klinischer Assistenzprofessor für Kinder- und Jugendpsychiatrie an der Universität von Tennessee. Laut King haben mehr als 80 Prozent seiner jugendlichen Patienten täglich über längere Zeiträume Heavy Metal gehört. Sie waren mit allen Wörtern vertraut und schrieben sie während des Unterrichts in Notizbücher und auf Schreibtische.
Für einen Christen besteht kein Zweifel daran, dass Gotteslästerung, Vulgarität, Ausschweifung und Vergewaltigung, wie sie in der zeitgenössischen Rockmusik verbreitet werden, Gottes Plan für die Erlösung der Menschen durchkreuzen.
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Abgesehen von Sex und Vergewaltigung fördert Rockmusik den Drogenmissbrauch. Bereits 1969 schrieb das Time Magazine: „Rockmusiker konsumieren häufig und offen Drogen und ihre Kompositionen sind voller Anspielungen auf Drogen.“ Lieder wie „Heroin“ von Velvet Underground ermutigten einige junge Menschen, mit Drogen zu experimentieren, was nicht selten tragische Folgen hatte.
Wie in der Zeitschrift Life (1969) berichtet, kommentierte Jimi Hendrix, dessen Grundphilosophie ungezügelter Sex und Drogenkonsum war: „Man kann Menschen mit Musik hypnotisieren, und wenn man sie an ihrem schwächsten Punkt erreicht, kann man predigen ins Unterbewusstsein, was wir sagen wollen.“
Doch viele berühmte Rockstars haben einen Preis für ihren Drogenmissbrauch gezahlt. Unter den Toten sind Brian Jones von den Rolling Stones, Sid Vicious von den Sex Pistols, Dennis Wilson von den Beach Boys, Jimi Hendrix, Jim Morrison von The Doors, Elvis Presley, Janice Joplin, Bon Scott von AC/DC, Frankie Lymon, Tim Harden, Phil Lynott von Thin Lizzie und viele andere wären zu nennen. An dem Tag, an dem diese Broschüre fertiggestellt wurde, starb der Leadsänger der Temptations, David Ruffin, an einer Überdosis Kokain. Dennoch spielen Drogen in der Rockmusik immer noch eine herausragende Rolle, und dies scheint für viele Zuhörer eine schädliche Wirkung zu haben.
Beispielsweise kam eine Studie in der Postgraduiertenmedizin zu dem Schluss, dass „Beweise zeigen, dass solche Rock-Musik Muster von Drogenmissbrauch, promiskuitiver sexueller Aktivität und Gewalt fördert und unterstützt“.
Die persönliche und soziale Tragödie des modernen Drogenmissbrauchs ist einfach unvorstellbar, und dennoch verherrlicht Rockmusik weiterhin den Drogenkonsum. Tatsächlich lässt sich argumentieren, dass Rockmusik einen großen Teil der Verantwortung für die moderne Drogenepidemie übernehmen muss. Auch im Bereich der menschlichen Sexualität kommen Rockmusiker ihrer Verantwortung nicht nach, stellte Steven Tyrler von Aerosmith in Sober Times fest. Ungeachtet der Tatsache, dass Drogenmissbrauch in unserer heutigen Gesellschaft ein großes Problem darstellt, fördert die Rockmusik dies weiterhin. Es ist an der Zeit, dass die Verantwortlichen der Gesellschaft begreifen, dass die Rockmusik einen erheblichen Teil der Schuld für den aktuellen Drogenmissbrauch trägt.
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Anhand der Phrasen in der Rockmusik kann man erkennen, dass sie Gemeinsamkeiten mit der Religion aufweist. Diese Musik zum Beispiel erkennt eine höhere Macht an, die die Welt regiert. Es wird jedoch schnell klar, dass es sich nicht um Gott handelt, der als das höchste gütige Wesen gepriesen wird, und nicht einmal um das blinde „Schicksal“ der heidnischen Dichter, sondern um jemanden, der dunkel und grausam ist. Am Rande des fundamentalen Kanals der Rockmusik gibt es eine Gruppe mit extrem antichristlichen Neigungen. Die Kakophonie einiger „Heavy Metal“-Gruppen ist von okkulten und satanistischen Motiven durchdrungen. Wer sich dieser Art von Musik zu sehr hingibt, wird zu Recht in höllische Gefilde hinabgezogen.
Hier sind einige Beispiele für rituelle Praktiken der schwarzen Messe. Während eines von „Gwart“ inszenierten Konzerts schnitt einer der Teilnehmer (auf der Bühne) einer menschlichen Puppe den Kopf ab und bespritzte dann das Publikum mit Blut. Dann beschmierten sich die Mitglieder der Gruppe mit Blut, nahmen es der Puppe und tranken es! Sie brachten auch Tiere auf die Bühne und rissen ihnen die Eingeweide heraus.
Schon 1966 prahlte John Lennon damit, dass das Christentum verschwinden würde und die Beatles populärer werden würden als Christus. Er stellte Christus unter dem Deckmantel einer Figur dar, die er „Jesus Pifco, ein Knoblauch essender, stinkender, kleiner gelber, fettiger faschistischer Bastard, katholischer Spanier“ nannte. Wie wir alle wissen, starb er 1980 auf tragische Weise. David Bowie, einer der größten Rockstars des Jahres 1976, erklärte: „Rock war schon immer Teufelsmusik.“
Laut Spin, „verkörpert Satan sowohl die vergangenen Erfolge des Rock als auch das Versprechen seiner Zukunft.“ Doch in Liedern wie „Am I Demon“, „Mother“ und anderen verherrlicht er okkulte Rituale und Opfer, Gewalt und spirituelle Anarchie. In einem blasphemischen Video blickt eine Frau am Fuße des Kreuzes auf und sieht nicht Jesus, sondern eine anschauliche Darstellung des Teufels, der mit ausgestreckten Armen am Kreuz hängt. Der unmittelbare Eindruck, den dieses verwirrende Bild vermittelt, ist entweder, dass Jesus wirklich der Teufel war, oder dass das, was das Kreuz symbolisiert, satanisch ist.
Es ist bekannt, dass Rockmusik von Anfang an einen rebellischen Inhalt hatte und sich den elterlichen und gesellschaftlichen Autoritäten widersetzte. Heute fordern einige der neueren Rockgruppen offen die Ablehnung traditioneller christlicher Prinzipien. In einem der früheren Interviews des Rolling Stones-Magazins mit David Crosby aus der Gruppe „Crosby, Stills und Nash“, kommentierte er: „Ich dachte, das Einzige, was ich tun könnte, wäre, ihre Kinder zu klauen. Damit meine ich nicht die Entführung. Ich spreche nur davon, ihr Wertesystem zu ändern, was sie sehr effektiv aus der Welt ihrer Eltern entfernt.“ In der Zeitschrift „Jefferson Starship“ gesteht Paul Kanter: „Unsere Musik ist beabsichtigt, die Kluft zwischen den Generationen zu vergrößern und Kinder von ihren Eltern zu entfremden.“
Mick Jagger von den Rolling Stones hat bemerkt: „So etwas wie einen sicheren, familienorientierten Rock’n’Roll-Song gibt es nicht“. Jon Bon Jovi bemerkte: „Ich wollte gegen alles und jedes rebellieren, und zufällig gelang mir das, indem ich in einer Band Rock’n’Roll spielte.“ John Cougar verrät: „Ich fluche, weil ich weiß, dass es gesellschaftlich nicht akzeptabel ist. Ich hasse Dinge, die sagen: So soll man sich verhalten. Deshalb hasse ich Schulen, Regierungen und Kirchen.“
Nikki Sixx von Motley Crue kommentiert: „Wir hatten nie vor, für irgendjemanden ein Vorbild zu sein. Aber seitdem wir das geworden sind, versuchen wir, unseren Fans etwas zu geben, an das sie glauben können. Auf dem zweiten Album sagten wir ihnen: Shout at the Devil. Viele Leute denken, dass es in diesem Lied um Satan geht. Das stimmt nicht. Es geht darum, sich der Autorität zu widersetzen, seien es deine Eltern, dein Lehrer oder dein Chef. Das ist ein ziemlich guter Rat, denke ich. Aber ich bin mir sicher, dass alle Eltern, die es hören, denken werden, es sei Verrat.“
Rockmusik lehnt christliche Standards und Überzeugungen fast einhellig ab. Beispielsweise ist das Durchlesen eines Textes wie „Rock and Roll Babylon“ genauso deprimierend wie das Lesen von „Hollywood Babylon“; der antichristliche Charakter dieser Subkulturen wird anschaulich dargelegt. Von Jim Morrisons spöttischem, schreiendem Hass auf das christliche Gebet von The Doors („Petition the Lord with Prayer“) über „Quicksand Jesus“ von Skid Row („Sind wir gerettet durch die Worte von Bastard-Heiligen?“) bis hin zu den expliziteren Gotteslästerungen, die Rock-Kultur hat oft ihre Abneigung gegen den christlichen Glauben deutlich gemacht. Ozzy Osbourne gibt zu: „Ich bin kein wiedergeborener Christ, sondern ein wiedergeborener Hitler.“
Hier sind weitere Zitate aus „Heavy Metal“. „The Oath“ von der Band King Diamond: „Ich verleugne Jesus Christus, den Betrüger, und ich schwöre dem christlichen Glauben ab und verachte alle seine Werke.“ „Possessed“ von der Band Venom: „Ich bin besessen von allem, was böse ist. Den Tod deines Gottes verlange ich. Für die sterbende Hure ist Satan mein fleischgewordener Meister. Gegrüßet seist du, Lob sei meinem unheiligen Heer.“
Billy Idol versucht, „zu zeigen, was eine menschliche Abzockerreligion ist“. Leon Russell meint, dass „das organisierte Christentum mehr Schaden angerichtet hat als jede andere Kraft, die mir auf der Welt einfällt“, und schlägt vor, es durch die Religion des Rock’n’Roll zu ersetzen. In einem Interview in Spin betonte Sinead O'Connor: „Es ist ein großer Missbrauch, Kindern beizubringen, dass Gott nicht in ihnen selbst ist. Dass Gott Umweltverschmutzung ist. Dass Gott größer ist als sie. Dass Gott außerhalb von ihnen ist. Das ist eine Lüge. Das ist es, was die Leere von Kindern verursacht.“ In „Hymn 43“ übermittelte die Band Jethro Tull diese Botschaft: „Wir sind unsere eigenen Retter, und wenn Jesus rettet, dann rettet er sich besser selbst.“ Die Anzahl der blasphemischen Zitate, die man diesen Liedern entnehmen kann, ist unbegrenzt.
Sowohl in der Rock’n’Roll- als auch in der „Heavy Metal“-Musik gibt es einen starken okkulten Einfluss. Cyril Scott war zu seinen Lebzeiten ein bedeutender Komponist. Er war ein Schüler der okkulten Religion, die als Theosophie bekannt ist, und interessierte sich auch für die Möglichkeiten, Musik für das Okkulte einzusetzen. Zwei seiner Bücher, „The Influence of Music on History and Morals“ und „Music: Its Secret Influence Through the Ages “, wurden durch die Inspiration der Geisterwelt von einem der theosophischen Geistführer (der auch Madame Blavatsky, Gründerin der theosophischen Bewegung im vorrevolutionären Russland, inspirierte). Im letztgenannten Buch teilt uns Scott mit, dass er aus seinen Gesprächen mit diesem Geist „ein besonderes Interesse an der Entwicklung der westlichen Musik hat. Tatsächlich hält er es für ratsam, dass Schüler aller Schulen sich umfassender mit dem Okkultismus befassen. Er erkennt die große Bedeutung der Musik als Kraft in der spirituellen (okkulten) Evolution an und hat zu diesem Zweck vieles enthüllt, was bisher noch nicht enthüllt wurde und das für alle Musikliebhaber von größtem Interesse sein muss.“
Scott selbst ist davon überzeugt, dass „die großen Eingeweihten (in der Geisterwelt) große und beeindruckende Pläne für die musikalische Zukunft haben“. Was ist dieser Plan? Es geht darum, Musik als okkultes Medium zu nutzen, um veränderte Bewusstseinszustände, übersinnliche Fähigkeiten und den Kontakt mit der Geisterwelt zu entwickeln. Scott erklärt: „Zukünftige Musik soll dazu dienen, die Menschen noch näher mit den Devas (Geistern) in Kontakt zu bringen; sie werden in die Lage versetzt, am wohltuenden Einfluss dieser Wesen teilzuhaben, während sie Konzerte besuchen, bei denen die entsprechenden Voraussetzungen erfüllt sind der Art des Klangs, den sie angerufen haben. Die wissenschaftlich berechnete Musik, um die es geht, wird jedoch das zweifache Ziel erreichen, die Devas anzurufen und gleichzeitig bei den Zuhörern jene psychischen Fähigkeiten zu stimulieren, mit denen sie wird sich ihrer bewusst werden und auf ihren Einfluss der Geister reagieren.“
Scott beendet sein Buch, indem er die Worte seines Geistführers zitiert: „Heute, da wir in dieses neue Zeitalter eintreten, versuchen wir, hauptsächlich durch das Medium inspirierter Musik, den Geist der okkulten Vereinigung und Brüderlichkeit zu entschärfen und so das Leben zu beleben der spirituellen Schwingung dieses Planeten.“ Dieses Genre der „inspirierten Musik“ ist mittlerweile in örtlichen Plattenläden zu finden. Einige „New Age“-Musikstücke sind spiritistisch inspiriert und verfolgen bestimmte okkulte Ziele. Die „Komponisten“ der New-Age-Musik behaupten, sie könne die Meditation fördern, dabei helfen, psychische Kräfte zu entwickeln, das Bewusstsein zu verändern, „Astralreisen“ anzuregen und die Persönlichkeit zu verändern. Andere zeitgenössische Rockmusiker ähneln diesen Ideen.
Viele der großen Rockstars engagierten sich nicht nur stark im Okkultismus, sondern auch im offenen Satanismus. Als er versuchte, seinen eigenen „Inspirationsprozess“ zu beschreiben, sagte John Lennon: „Es ist, als wäre man besessen: wie ein Hellseher oder ein Medium.“ Über die Beatles hat Yoko Ono gesagt: „Sie waren wie Medien. Sie waren sich nicht bewusst, was sie sagten, aber es kam durch sie.“ Marc Storace, Sänger der Heavy-Metal-Band Krokus, sagte gegenüber dem Magazin „Circus“ : „Man kann es nicht beschreiben, außer zu sagen, dass es wie ein Mysterium ist, eine Energie, die von der metaphysischen Ebene in meinen Körper gelangt. Es ist fast so, als wäre ich ein Medium.“ Little Richard hatte ähnliche Erfahrungen und identifizierte Satan als Quelle seiner Inspiration: „Ich wurde von einer anderen Macht geleitet und befohlen, der Macht der Dunkelheit, von der viele Menschen nicht glauben, dass sie existiert. Die Macht des Teufels. Satan.“ Jim Morrison (von The Doors) nannte die Geister, die ihn zeitweise besessen hatten, „die Lords“ und schrieb einen Gedichtband über sie. Die Kreativität der Folk-Rock-Künstlerin Joni Mitchell kam von ihrem Geistführer „Aft“. Sie war so abhängig von „Aft“, dass nichts sie aufhalten konnte, als er „anrief“.
Die Verbreitung solcher „Geister“ unter Top-Rockstars scheint über den Bereich des Zufalls hinauszugehen. Superstar Jimi Hendrix, der als „größter Gitarrist des Rocks“ bezeichnet wird, „glaubte, er sei von einem Geist besessen“, so Alan Douglas. Hendrix‘ frühere Freundin, Fayne Pridgon, sagte: „Er redete immer davon, dass irgendein Teufel in ihm steckte, wissen Sie, und er hatte keine Kontrolle darüber, er wusste nicht, was ihn dazu brachte, sich so zu verhalten. Er spielte und was ihn dazu brachte, die Dinge zu sagen, die er sagte, und Lieder kamen einfach aus ihm heraus.“
Viele andere Rockstars praktizieren Okkultismus und ihre Kompositionen beschreiben ihren Zustand als besessen oder in Trance. Mittlerweile ist bekannt, dass viele Musiker ein Interesse für Okkultismus, Zauberei und manchmal sogar Satanismus entdecken. Einige Namen von „Black Metal“-Gruppen haben eine Verbindung zum Okkultismus. Zum Beispiel „Coven“, „Dark Angel“, „Demon“, „Infernal Majesty“, „Possessed“, „Satan“, „Coven Hoof“ und andere.
Ozzy Osbourne bemerkte: „Ich scheine nie genau zu wissen, was ich als nächstes tun werde. Ich mache einfach gerne das, was die Geister von mir verlangen. Auf diese Weise habe ich immer jemanden oder etwas, dem ich die Schuld geben kann.“ Osbourne, ein ehemaliger Leadsänger von „Black Sabbath“, rief bei einem seiner Konzerte triumphierend den Satan herbei. „Manchmal fühle ich mich wie ein Medium für eine äußere Kraft.“ Black Sabbath haben bei einigen ihrer Konzerte auch Altarrufe zu Lucifer gemacht. In „Master of Reality“ singen sie, dass er „Herr dieser Welt“ und „ihr Beichtvater jetzt“ sei.
Laut einem Rolling-Stone-Interview sagte Peter Criss, der erste und berühmteste Schlagzeuger der Rockband KISS: „Ich glaube an den Teufel genauso wie an Gott. Man kann beides nutzen, um Dinge zu erledigen.“
Ein anderer Gitarrist fragte: „Woher nimmst du die Kraft für eine solche Darbietung?“ Er sagte: „Höchstwahrscheinlich von unten, da oben gibt es keinen Rock and Roll.“ Mitglieder der Gruppe Iron Maiden geben offen zu, dass sie sich mit Okkultismus, einschließlich Hexerei, beschäftigen. Ein Iron Maiden-Konzert in Portland, Oregon, wurde eröffnet mit den Worten „Willkommen im Heiligtum Satans.“ Glenn Tipton von der Gruppe Judas Priest gestand, dass er verrückt wird, wenn er auf die Bühne geht: „Es ist, als würde jemand anderes meinen Körper übernehmen.“
Als er beschrieb, wie ein Van-Halen-Konzert abläuft, sagte David Lee Roth: „Ich werde meinen Geist diesen Emotionen überlassen, und genau das versuche ich auch. Man steigert sich in diesen Zustand und verfällt im Flehen der Dämonengötter.“
Gitarrist Mick Mars von Motley Crue beschrieb seine Band als „dämonisch, das ist, was wir sind“. Nikki Sixx kommentierte in Bezug auf ihre Bühnenshow „Shout at the Devil“: „Wir haben Totenköpfe, Pentagramme und alle möglichen satanischen Symbole auf der Bühne. Ich habe immer mit dem Teufel geflirtet.“
Stevie Nicks von Fleetwood Mac hat ihre Konzerte mehrfach den Hexen dieser Welt gewidmet. Ein Album der Rockgruppe Venom mit dem Titel „Welcome to Hell“ enthält auf der Rückseite folgende Worte: „Wir sind von allem Bösen besessen. Den Tod deines Gottes fordern wir: Wir spucken die Jungfrau an, die du verehrst, und setze dich zur Linken des Herrn Satan.“ Das „Rune“-Album von Led Zeppelin zeigt auf dem Cover den berühmten schwarzen Okkultisten Aleister Crowley. Jimmy Page von Led Zeppelin, ein bekennender Satanist, kaufte von Crowley das alte Herrenhaus. John Bonham, ein Schlagzeuger der Band, starb 1980 im Haus; angeblich spaltete Robert Plant die Gruppe nach seinem Tod und machte Pages Obsession mit dem Okkultismus für seinen Tod verantwortlich.
Liebhaber der „Heavy Metal“-Musik tragen häufig Amulette mit den oben genannten Symbolen. Der Name ZOSO bedeutet dreiköpfiger Hund, Wächter der Tore der Hölle, NATAS ist der rückwärts geschriebene Name Satans; Das Bild IL CORNUTO – mit nach vorne ausgestrecktem Zeigefinger und kleinem Finger – ist ein Symbol für Satan.
ZWEITES KAPITEL
Am 1. Juni 1967 veröffentlichten die berühmtesten Musiker der Welt eine neue Langspielplatte, deren Cover eine Galerie unkonventioneller Persönlichkeiten und eine Person zeigte, deren Unkonventionalität berüchtigt war. Der Beatles „Seargant Pepper's Lonely Hearts Club Band“ war ein mit Spannung erwartetes Album, das den Status der Band als prägende Trendsetter ihrer Zeit bestätigte. Es war der Soundtrack zum glückseligen „Summer of Love“, es begründete den Vorrang der psychedelischen Rockmusik und wurde als musikalischer Durchbruch gefeiert, der einem Massenpublikum eine klangliche Darstellung der Marihuana- und LSD-Sensation bot. Heute gilt Sgt. Pepper als das klassische Album der klassischen Rock-Ära und ist bekannt für seine bahnbrechenden Aufnahmetechniken und langlebigen Beatles-Songs („With a Little Help From My Friends“, „Lucy in the Sky With Diamonds“, „A Day in the Life“), obwohl die frühere und spätere Musik der Gruppe erfolgreicher gealtert ist. Sogar das Cover des Albums gilt als Meilenstein auf dem Gebiet der Schallplattenverpackung aus den Jahren, als Musik tatsächlich auf physischen CDs in physischen Hüllen präsentiert wurde und Millionen von Fans das Foto der Hülle und die rätselhafte Aneinanderreihung der darauf abgebildeten Figuren studierten.
Die Aufnahme des Pepper-Covers fand am 30. März 1967 statt. Die Beatles, die mit jedem Schritt Neuerungen machten, entschieden sich für ein Layout, das mit ihrer Gewohnheit brach, das Quartett einfach allein in einem einzigen Porträt darzustellen. Der Designer Peter Blake, ein aufstrebender Stern in der Londoner Pop-Art-Welt, erinnerte sich später daran, dass er sich mit den Beatles und dem Kunstgaleriebesitzer Robert Fraser über eine andere Herangehensweise an das Design beraten hatte: „Ich glaube, das war es, von dem ich behaupten würde, dass es tatsächlich die Richtung des Designs verändert hat: Erstellen einer lebensgroßen Collage aus echten Menschen, Fotos und Kunstwerken. Ich habe sozusagen Regie geführt und die Beatles und Robert (und vielleicht auch andere Leute, aber ich glaube, es waren hauptsächlich wir sechs) gebeten, eine Liste der Charaktere zu erstellen, die sie gerne in einer Art magischem Idealfilm sehen würden, und was dabei herauskam, aus dieser Übung gingen sechs verschiedene Personengruppen hervor.“
Das Ergebnis war eine Gruppenaufnahme von fast siebzig Personen, wobei die vier kostümierten Beatles die einzigen lebenden Körper auf dem Bild waren. Zu den von den Beatles, Blake und Fraser ausgewählten Titeln gehörten die bewunderten Zeitgenossen Bob Dylan und der Schriftsteller Terry Southern; Filmstars Fred Astaire, Laurel und Hardy, Tony Curtis, Marlon Brando und Marilyn Monroe; und eine Reihe von Kunst- und Literaturverbrechern wie Edgar Allan Poe, William S. Burroughs, Aubrey Beardsley, Dylan Thomas und Oscar Wilde. Und in der oberen linken Ecke der Sammlung, zwischen dem indischen Yogi Sri Yukteswar Giri und dem Sexsymbol der 1930er-Jahre, Mae West, prangte das kahlrasierte Gesicht eines Mannes, der einst als „der bösartigste Mann der Welt“ bekannt war. Sein Name war Aleister Crowley.
In den meisten Berichten wird Paul McCartney als der Beatle genannt, der Crowley ausgewählt hat, obwohl die umstritteneren Entscheidungen der Vier, Adolf Hitler, der Marquis de Sade und Mahatma Gandhi, aus der Collage gestrichen wurden. Was McCartney über Crowley wusste, war wahrscheinlich oberflächlich; Sein späteres Leben und Werk nimmt keinerlei Bezug auf Crowley, aber 1967 war der Beatle sehr auf die vorherrschenden Moden des jungen Großbritanniens und Amerikas und der aufkeimenden Gegenkultur eingestellt. Gleichzeitig lag Peter Blakes Spezialität in „gefundenen“ Bildern vergangener Jahrzehnte: der Pop-Sensibilität, wiederentdeckte Werbe- und Zeitungsillustrationen mit einer distanzierenden Schicht Ironie auszustellen. Gemeinsam waren der Musiker und der Designer sensibel für die Wiederbelebung des Viktorianischen Stils, der die britische Grafik und den britischen Stil in den späteren sechziger Jahren prägte (zu sehen zum Beispiel in den Uniformen der Sgt. Pepper-Bandmitglieder und dem Zirkusplakat, das die Texte zum Albumtitel inspirierte „Being For the Benefit of Mr. Kite“), und Aleister Crowley, geboren 1875, war Teil dieser Wiederbelebung. Das von Blake verwendete Crowley-Foto wurde 1913 von Hector Murchison fotografiert und wurde dank seiner Werbung durch die Beatles zum bekanntesten Bild von ihm. Wie drei der anderen Titelthemen, der „dekadente“ Künstler Aubrey Beardsley, der protosurrealistische Autor Lewis Carroll und der skandalöse Schriftsteller Oscar Wilde, wurde Crowleys Ruf nach und nach für eine tolerantere Zeit wiederhergestellt. Er war kein Affront gegen die britische Majestät mehr, sondern ein Märtyrer der moralischen Heuchelei.
Edward Alexander Crowley wurde in ein Brauereivermögen hineingeboren und wuchs in einem fanatisch religiösen Haushalt auf. Er war zumindest in mancher Hinsicht ein typisches Produkt seiner Klasse. Er war wohlhabend genug, um von Jugend an einer regulären Beschäftigung zu entgehen; studierte in Cambridge und reiste viel (manchmal auf gefährlichen Kletterexpeditionen in Großbritannien, Europa und Asien); schrieb und veröffentlichte Prosa und Lyrik; sexuelle Abenteuer mit Frauen und Männern erlebt; und nahm reichlich Alkohol, Stimulanzien und Opiate zu sich. Wäre das alles gewesen, hätte man ihn vielleicht als einen weiteren Wüstling des Fin de Siècle in Erinnerung behalten, aber Crowley verfolgte noch ein anderes Streben, das nicht nur das Laster eines privilegierten Dandys war, sondern eine alles verzehrende Leidenschaft. Seine Respektlosigkeit und sein Appetit auf Übertretungen waren schon als Kind so offensichtlich, dass seine Mutter ihn als „das große Tier“ bezeichnete, entnommen aus dem apokalyptischen Buch der Offenbarung. Für den Rest seines Lebens übernahm Crowley die Bezeichnung und versuchte, ihr gerecht zu werden, indem er seinen bleibenden Grundsatz predigte und in die Tat umsetzte: „Tue, was du willst, das soll das ganze Gesetz sein.“
Aleister Crowleys irdische Heldentaten waren eine Geschichte über umfangreiche literarische Begabung und metaphysische Gelehrsamkeit im Dienste einer arroganten und aggressiven Persönlichkeit. Er konnte sowohl mit seinem brillanten Verstand beeindrucken als auch mit seinen bösartigen Kopfspielen einschüchtern. „Ich empfand sofort eine Abneigung gegen ihn“, erzählte der Schriftsteller Somerset Maugham von seiner Begegnung mit Crowley in Paris im frühen 20. Jahrhundert, „aber er interessierte und amüsierte mich. Er war ein großartiger Redner und er redete ungewöhnlich gut. Er war ein Lügner und unziemlich prahlerisch, aber das Seltsame war, dass er einige der Dinge, mit denen er prahlte, tatsächlich getan hatte. Crowley erzählte fantastische Geschichten über seine Erlebnisse, aber es war schwer zu sagen, ob er die Wahrheit sagte oder nur einen Scherz machte.“ Maugham baute die schurkische Titelfigur Oliver Haddo in „The Magician“ auf Crowley auf.
Intelligent und kultiviert, aber dennoch egoistisch und herrschsüchtig, hatte sich Crowley der mystischen Sekte des Ordens der Goldenen Morgenröte angeschlossen, geriet jedoch mit deren Führung in Konflikt und gründete seinen eigenen Zirkel, den Orden des Silbernen Sterns. Seine „große Operation“ war die Transkription des Buches des Gesetzes, wie es 1904 vom Geist Aiwass durch seine Frau Rose in Kairo diktiert wurde. Eine Reihe von Ehepartnern, Liebhabern, Schülern und Vertrauten durchlief sein Leben. Er verbannte sich während des Ersten Weltkriegs nach Amerika, gründete Anfang der zwanziger Jahre in einer sizilianischen Abtei einen bunt zusammengewürfelten Kult von Gläubigen und verlor 1933 einen vielbeachteten Verleumdungsprozess. Auf seinem Höhepunkt war er eine international berüchtigte Persönlichkeit, die teuflischen Exzesse seines Lebensstils und seiner schadenfrohen blasphemischen Schriften und seiner Kunst (er unterzeichnete sogar seinen Namen mit einem unverkennbar phallischen A), aber sein Geld und seine Anziehungskraft in der Presse gingen allmählich zur Neige. Crowleys umfangreiche Abhandlungen über Yoga, Schach, Poesie, tantrischen Sex, Bergsteigen und die verlorenen Künste dessen, was er immer „Magie“ nannte, zogen eine stetige Anhängerschaft an, doch am Ende seines Lebens blieben nur wenige engagiert. Er starb 1947 in einer Pension in der Nähe von Hastings, England, heroinabhängig und von den Landsleuten, die er einst so schockiert hatte, weitgehend vergessen. Für einen Zeugen waren seine letzten Worte: „Manchmal hasse ich mich selbst.“
Aber es war Crowleys „Tu, was du willst“, das die Jugend des Jahres 1967, sowohl die Mitglieder der Beatles als auch die unzähligen Zuhörer der Gruppe auf der ganzen Welt, am meisten schätzten. Für sie war Crowley kein böser Mann, sondern einer, der seiner Zeit weit voraus war und der die Ablehnung überholter Pflicht- und Zurückhaltungsprinzipien durch die spätere Generation vorausahnte. Wofür Crowley letztendlich stand, war Selbstbefriedigung: keine bloßen ziellosen Genüsse, sondern das gesunde und befreiende Streben nach dem tiefsten Willen und den eigenen Wünschen gegen die seelenlosen und oberflächlichen Erwartungen der Autorität. Crowleys ausgefeiltes Credo von Thelema verlieh der Freude junger Menschen an Sex, Drogen und Rock'n'Roll eine Dimension, die über ihre unmittelbaren Freuden hinausging; Aus Crowleys Sicht könnten solche Freuden als heilig angesehen werden.
„Wir unterdrücken das Individuum auf immer vielfältigere Weise“, hieß es in Crowleys Einleitung zum Buch des Gesetzes von 1938. „Wir denken in der Herde. Der Krieg tötet keine Soldaten mehr, er tötet alle wahllos. Jede neue Maßnahme der demokratischsten und autokratischsten Regierungen ist ihrem Wesen nach kommunistisch. Es ist immer eine Einschränkung. Wir werden alle wie dumme Kinder behandelt.“ Diese Gefühle lagen den Beschwerden der Demonstrantinnen und Demonstranten der sechziger Jahre zugrunde. Obwohl Crowley nur eine Fußnote im Erbe der Beatles ist, war es unvermeidlich, dass viele der Käufer, die sich Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band und blickten mit erweitertem Verstand auf das Cover, untersuchten seine Biografie und wandten seine Lehren auf ihre eigenen Umstände an. Wenn Aleister Crowley übrigens auch Tieropfer durchgeführt, das Christentum lautstark verurteilt und behauptet hatte, Dämonen aus den Unterwelten beschworen zu haben, dann wurden auch diese Teil seiner Legende. Dieses unheilvolle Gesicht auf dem Cover einer bahnbrechenden Sammlung populärer Musik sollte der Auslöser für eine Million Reisen sein.
Die nächsten Rivalen der Beatles im Rock'n'Roll waren die Rolling Stones. Es waren die Stones, die den gefährlichen Glamour des Genres und der Zeit wirklich zu symbolisieren schienen. Sie hatten keinen Grund, Aleister Crowley auf einem Plattencover zu zeigen, wenn sie bereits nach seinem Diktum zu leben schienen. Von ihren frühesten Erfolgen an galten sie als schmutziger, brutaler Kontrapunkt zu den fröhlichen und liebenswerten Beatles; ihre Musik war aggressiver und offensichtlicher vom knurrenden Klang des amerikanischen Blues abgeleitet. Nach der Veröffentlichung von Pepper saßen drei Stones (Mick Jagger, Keith Richards und Brian Jones) wegen Drogendelikten vor Londoner Gerichtssälen, und Ende 1967 erschien ihr psychedelisches Äquivalent zum Beatles-Album, dessen Titel eine höhnische Parodie war auf das königliche Vorwort zu britischen Pässen: Ihre satanische Majestäts. Es war nur ein Wortspiel, aber es war das erste Mal, dass der Prince of Darkness auf einer großen Pop-Platte genannt wurde.
Die Stones-LP Their Satanic Majesties Request (1967) und die Single „Sympathy For The Devil“ (1969). Im Laufe der nächsten Jahre wurden die Rolling Stones mehr als alle anderen Entertainer mit einer persönlichen Verdorbenheit in Verbindung gebracht, die die der hartnäckigen Rockstars übertraf. Im Showbusiness hatte es schon früher Einzelgänger, böse Jungs und harte Kerle gegeben, aber die Stones brachten diese Prototypen auf eine noch tiefere Ebene der Empörung. Vieles davon wurde sicherlich von Kritikern und Fans auf sie projiziert, die der Gruppe mehr Bedeutung beimessen wollten, als die Mitglieder selbst wünschten. Und ein Teil ihrer Aura kam wirklich von ihren Freunden und Mitläufern, die sich bereits im Outlaw-Status der Stones sonnten und ihre eigenen persönlichen Vorlieben mit einbrachten. „Es gab viele Präraffaeliten, die in Samt mit um die Knie gebundenen Schals herumliefen, auf der Suche nach dem Heiligen Gral, dem verlorenen Hof von König Artus, UFOs und Ley-Linien“, erinnerte sich Keith Richards in seinen Memoiren aus dem Jahr 2010. Abgestumpfte Aristokraten, gelangweilter Euro-Müll und aufstrebende Amerikaner, erinnerte sich der Gitarrist, zeigten alle „die beschissenen Referenzen dieser Zeit – das Geschwätz der Mystik, das hochtrabende Gerede über Alchemie und die geheimen Künste, alles im Grunde genommen im Dienste der Übervorteilung.“ Es waren die berühmten Rolling Stones, die dafür verantwortlich waren, und nicht ihre weniger bekannten Anhänger.
Allerdings waren die Musiker von den intellektuellen Moden der Gegenkultur angesteckt, und da sie von Drogenexperimenten durchdrungen waren, wagten sie sich bereitwillig an einige der damals wachsenden Mengen okkulter Literatur: alles vom taoistischen Geheimnis der Goldenen Blume (gelesen von Mick Jagger, während er ihre Bitte um ihre satanischen Majestäten formulierte ) und Sammlungen keltischer Mythologie bis hin zum Kompendium über berichtete Naturverirrungen des Amerikaners Charles Fort, The Book of the Damned (1919), und Louis Pauwels' verschwörungsträchtigem The Morning of the Magicians (1960). All diese Arbeiten trugen zu den Vorurteilen der Jungen, Unzufriedenen, Hippen und Stones bei. Sie bestätigten ihre Ansichten, dass das Establishment lüge, die Moral der Mittelklasse eine Täuschung sei, die Realität subjektiv sei und die Welt ein magischer Ort sein könnte, wenn man nur wüsste, wo und wie man suchen muss.
Das nächste Album der Rolling Stones, Beggars' Banquet, führte die Implikationen von Satanic Majesties mit der hypnotischen und tribalen Single „Sympathy For the Devil“ noch weiter aus. Dieser langjährige Favorit, der bis heute eine Hymne der Stones ist, entstand aus Mick Jaggers Lesung des allegorischen Werks „Der Meister und Margarita“ des russischen Schriftstellers Michail Bulgakow. Der gebildete und sensible Jagger erhielt das Buch (1939 geschrieben, aber erst Mitte der sechziger Jahre veröffentlicht) von seiner damaligen Freundin Marianne Faithfull. „Er hat es in einer Nacht verschlungen und Sympathy For the Devil ausgespuckt“, erinnerte sich Faithfull in ihrer eigenen Autobiografie von 1994. „Die Hauptfigur des Buches ist Satan, aber es hat nichts mit Dämonismus oder schwarzer Magie zu tun. Mick schrieb ein Dreiminütiges Lied, synthetisiert aus diesem sehr komplexen Buch.“ „Der Meister und Margarita“ gilt heute als einer der großen russischen Romane und ist eine wilde Satire auf das Leben in den dunkelsten Tagen der stalinistischen UdSSR mit Anklängen an die Faust-Legende und Auftritten von Pontius Pilatus und dem Heiligen Matthäus.
Unter dem Arbeitstitel „The Devil is My Name“ wurde „Sympathy For the Devil“ im Frühjahr 1968 von den Rolling Stones aufgenommen (die Sessions wurden von Jean-Luc Goddard gefilmt und in seinen gleichnamigen Film integriert) und veröffentlicht im Dezember. Jagger sang seine klassische Ich-Erzählung über die Anwesenheit Satans an entscheidenden Punkten der Geschichte, darunter die Kreuzigung Christi, die Russische Revolution, den Nazi-Blitzkrieg und sogar die Ermordung von John F. und Robert F. Kennedy, wobei der Text retuschiert wurde, um dies widerzuspiegeln Letzterer starb am 5. Juni. Es war ein fesselndes Lied, das in einem gewalttätigen und turbulenten Jahr die ohnehin schon angespannte kulturelle Stimmung noch weiter anheizte. Doch wie Marianne Faithfull betonte, war Jaggers teuflische Tat völlig beeinträchtigt. „Der einzige Grund dafür, dass die Stones nicht durch die Ideen, mit denen sie herumspielten, zerstört wurden, ist, dass sie sie nie so ernst genommen haben wie ihre Fans“, erinnert sie sich. „Mick hat nicht einen Moment geglaubt, dass er Luzifer ist.“ Nein, aber viele andere waren weitaus leichtgläubiger.
Die Verbindung der Rolling Stones zum Okkultismus endete nicht mit „Sympathy For the Devil“. Die Partnerin von Keith Richards, Anita Pallenberg, war ein unglaublich schönes deutsches Model, das selbst in den Strudel von Drogen und Ausschweifungen im Dunstkreis der Band verwickelt war und Gerüchten zufolge eine Praktizierende der dunklen Künste war. Faithfull noch einmal: „Anita hat das Göttinnengeschäft schließlich einen Schritt weiter in Richtung Hexerei geführt. Es gab Momente, besonders nachdem Brian Jones gestorben war, nach dem sie ein wenig verrückt war.“ Es half nicht, dass sie mit Jagger in dem Film „Performance“ besetzt wurde, in dem ein Londoner Gangster die Identität mit einem dekadenten Rockstar (natürlich Jagger) tauscht. Keith Richards betrachtete den Regisseur Donald Cammell als „einen Spinner und Manipulator, dessen einzige wahre Liebe im Leben darin bestand, andere Leute zu verarschen“, aber Pallenberg schien ihre Nacktszenen mit Jagger und Michelle Breton, einem anderen Mitglied ihrer Dreiergruppe, zu genießen. Es entstand eine verdrehte Atmosphäre aus Eifersucht und orgiastischer Zerstreuung, die die Gerüchte, unabhängig davon, ob Pallenberg wirklich eine Zauberin war oder sich für eine solche hielt, auf jeden Fall plausibel machte.
Dennoch vertieften sich die okkulten Verbindungen. Der amerikanische Underground-Filmemacher Kenneth Anger war in London und kontaktierte über seine Kontakte zum Galeristen und Prominenten Robert Fraser die Rolling Stones, ob sie in seinem neuesten Projekt „Lucifer Rising“ mitspielen würden. Anger war älter als die Stones und ihre Anhänger (er wurde 1927 geboren), ein ehemaliger Hollywood-Kinderschauspieler und Autor des bissigen Enthüllungsromans „Hollywood Babylon“ und nicht zuletzt ein überzeugter Schüler von Aleister Crowley. Seine Low-Budget-Kurzfilme „Inauguration of the Pleasure Dome“, „Scorpio Rising“ und „Fireworks“ waren unverständliche filmische Collagen aus okkulten Motiven, Sadomasochismus, Pop-Aneignungen und schwuler Männererotik. Anger bezeichnete sich selbst als Hexenmeister und nahm seine Arbeit absolut ernst; er brachte Mick Jagger dazu, einen abstrakten Synthesizer-Soundtrack für eines seiner Werke, Invocation of My Demon Brother, zu machen. Er brauchte auch Geld und die Aufmerksamkeit, die die Anwesenheit der weltberühmten Rockgruppe Lucifer Rising verleihen würde. „Alle Rollen mussten sorgfältig besetzt werden“, sagte Anger später, „mit Mick als Luzifer und Keith als Beelzebub. Die okkulte Einheit innerhalb der Stones bestand aus Keith und Anita und Brian. Wissen Sie, Brian war auch eine Hexe. Ich bin überzeugt. Er zeigte mir seine Hexenmeise. Er sagte: Zu einer anderen Zeit hätten sie mich verbrannt. Darüber hat er sich sehr gefreut.“
Aber die Rolling Stones spielten, wie sie es mit so vielen anderen taten, nur so lange mit Anger, wie er ihre Drogenlust anregte. Ihre eigentliche Beschäftigung bestand darin, ihre eigene Musik aufzunehmen und aufzuführen, und ernsthafte Außenseiter wie Anger betrachteten sie als entbehrliche Plagegeister, die versuchten, ihnen auf den Fersen zu bleiben und einen Teil ihrer Marktfähigkeit zu absorbieren. „Kenneth Anger fanden sie lächerlich“, schrieb Marianne Faithfull. „Mick und Keith verachteten seinen satanischen Hokuspokus zutiefst.“
Der Ruf des Quintetts wurde 1969 noch schlimmer, als ihnen allgemein der Tod zweier Männer zugeschrieben wurde. Brian Jones wurde am 26. Juli ertrunken in seinem Schwimmbad in Sussex entdeckt. Obwohl er die Rolling Stones gegründet und ihren Namen einem Lied von Muddy Waters entnommen hatte, war Jones nie in der Lage gewesen, mit ihrem Ruhm und der daraus resultierenden sexuellen, alkoholischen und chemischen Freiheit zurechtzukommen. Tatsächlich war er eine sehr verletzliche Persönlichkeit und litt zusätzlich zu seinem starken Alkohol- und Drogenkonsum unter Asthmaanfällen. Seine verdächtig bequemen Verhaftungen wegen Drogenbesitzes durch einen Kopfjäger von Scotland Yard trugen wenig dazu bei, seinen Geisteszustand zu verbessern. Jones war nicht mehr in den Okkultismus verwickelt als irgendjemand von den Stones oder ihrem Kreis (ungeachtet seines Hexentitels), aber jetzt schien die Band nicht nur gefährlich, sondern potenziell tödlich zu sein. Die Band war definitiv tödlich für Meredith Hunter, eine Konzertbesucherin aus San Francisco, die am 6. Dezember beim Stones-Konzert auf dem Altamont Speedway in Kalifornien von Hell's Angels getötet wurde. Auch hier war die Todesursache eher banal als dämonisch; Das Wetter war kalt, das Publikum hässlich, die Einrichtungen fehlten, die Show kam zu spät, die Angels waren brutal und überall waren Halluzinogene. Aber Hunter, die erstochen wurde, während die Stones „Under My Thumb“ spielten, war ein weiteres Opfer für Fans und Feinde.
Nach der Altamont-Tragödie schienen die Rolling Stones einen Großteil ihrer Rücksichtslosigkeit oder auf jeden Fall einen Großteil ihrer spirituellen Naivität der Sechzigerjahre hinter sich gelassen zu haben. Mit ihren nächsten öffentlichen Auftritten im Jahr 1972 waren sie in einen Jetset-Materialismus verfallen und galten bei ihren jungen Fans nicht mehr als Minnesänger einer bevorstehenden Revolution. Ihr 1973 erschienenes Album „Goat's Head Soup“ begann zwar mit dem verführerischen Riff „Dancing With...“, aber es war einmal gewesen. In diesem Jahrzehnt hatten andere Rock'n'Roll-Acts begonnen, die okkulte Botschaft zu verbreiten, und zwar weiter und lauter als je zuvor.
Ein übersehener Musiker, dessen Musik deutliche Anspielungen auf Aleister Crowley enthielt, war der britische Rhythm'n'Blues-Keyboarder und Sänger Graham Bond. Im Gegensatz zu Mick Jagger oder Keith Richards beschäftigte sich Bond nicht mit Okkultismus. Er glaubte tatsächlich, Crowleys unehelicher Sohn zu sein – Crowleys anerkannte Tochter starb im Kindesalter und er hinterließ keine gesetzlichen Erben – und auf seinen Alben „Holy Magick“ und „We Put Our Magick On You“ waren Songs mit Titeln wie „The Pentagram Ritual“, „The Magician“, “ und „Das Gericht“. Obwohl Bond nie den Gipfel des Ruhms und Reichtums erklomm, so wie viele der Zeitgenossen, die er beeinflusste (seine Band, die Graham Bond Organization, wurde vor allem als Quelle des Bassisten Jack Bruce und des Schlagzeugers Ginger Baker im Superstar-Trio Cream bekannt), war sein Leben und Werk explizit mit dem Okkultismus verbunden. Drogen- und Karriereprobleme, gepaart mit geistiger Instabilität, veranlassten Graham Bond 1974, sich unter den Rädern eines Londoner Zuges das Leben zu nehmen.
1968 gründete der ehemalige Studiogitarrist und Mitglied der Yardbirds Jimmy Page sein neues Quartett Led Zeppelin. Led Zeppelin wurde beim großen Label Atlantic Records unter Vertrag genommen und unterstützt durch das loyale und äußerst beschützende Management von Peter Grant. Sie sammelten schnell eine große Anhängerschaft im Vereinigten Königreich, in Europa und insbesondere in den Vereinigten Staaten, wo ihre theatralische und sehr schwere Elektromarke von Blues appellierte an die ruhelosen Post-Sgt.-Pepper-Studentenkohorte. Led Zeppelin kümmerte sich wenig um die typischen Werbetaktiken früherer Rock'n'Roller und ihre Platten- und Ticketverkäufe litten überhaupt nicht, aber was aus Pages seltenen Interviews hervorging, war sein engagiertes Studium des Okkultismus. „Sie können das Böse nicht ignorieren, wenn Sie das Übernatürliche studieren, wie ich es tue“, sagte er 1973 einem Journalisten. „Ich habe viele Bücher zu diesem Thema und habe auch an mehreren Séancen teilgenommen. Ich möchte es weiter studieren.“
In den siebziger Jahren befand sich Led Zeppelin an der Spitze der Rockwelt, und Page war als Anführer, Gitarrist und Produzent der Gruppe maßgeblich für den okkulten Ruf der Band verantwortlich. Tatsächlich hatten die anderen Spieler Robert Plant, John Paul Jones und John Bonham überhaupt keine Affinität zu Pages Geschmack, aber jeder von ihnen wurde in unterschiedlichem Maße durch die Assoziation getrübt. Im Jahr 1970 war Page, jetzt mit reichlich Geld für Zeppelin-Konzerte und Lizenzgebühren, von der Sammlung von Aleister-Crowley-Büchern und anderen Artefakten zum Kauf eines ehemaligen Crowley-Hauses, des Boleskine House, am Ufer des schottischen Loch Ness übergegangen. Im selben Jahr beschrifteten Page und der Ingenieur Terry Manning die ersten Vinylpressungen des Albums Led Zeppelin III mit Crowleys Beschwörungen „Do what thou wilt / Shall Be the Whole of Law“ auf den Stichproben anstelle der üblichen Seriennummern.
1971 erhielt das vierte Album von Led Zeppelin keinen offiziellen Titel, sondern ein identifizierendes Quartett aus Runen- oder alchemistischen Symbolen, die später von allen vier Bandmitgliedern im Konzert zur Schau gestellt wurden; Pages war ein unleserliches Siegel, das dem Wort „ZoSo“ ähnelte, das schließlich auf den italienischen Renaissance-Astrologen und Mathematiker Girolamo Cardano (ca. 1490–1565) und zwei Texte aus dem 19. Jahrhundert aus Frankreich, Le Triple Vocabulaire Infernal und Le Dragon Rouge, zurückgeführt wurde. Plants Symbol einer eingekreisten Feder stand für das angeblich verlorene pazifische Königreich Mu. Das Klappcover dieses Albums wurde mit einer Adaption der Einsiedlerkarte aus einer bekannten Ausgabe des Tarotdecks von 1910 illustriert.
1974 kaufte Page zusätzlich zum großzügigen neugotischen Tower House des Architekten William Burges im exklusiven Kensington-Viertel der Stadt einen Londoner Buchladen für okkulte Bücher namens The Equinox. Als Led Zeppelin ebenfalls 1974 das Boutique-Plattenlabel Swan Song gründete, wurden Einladungen zur Eröffnungsparty mit der Überschrift „Do What Thou Wilt“ verteilt, und als Nonnen verkleidete Stripperinnen waren Teil der Feierlichkeiten. Das Logo des Unternehmens war eine stilisierte Darstellung des mythischen geflügelten Ikarus oder, nach anderen Interpretationen, Luzifers, des gefallenen Engels. In den Jahren 1975 und 1977 gab Page Konzerte in einem schwarzen Bühnenkostüm, das mit astrologischen Symbolen, dem ZoSo-Siegel und einem sich drehenden Drachen in voller Länge bestickt war. Im Led-Zeppelin-Film „The Song Remains the Same“ von 1976 wurde ein einsamer Page auf dem bewaldeten Gelände seines englischen Zuhauses gezeigt; als er sich der Kamera zuwandte, strahlten seine Augen in einem jenseitigen Licht. Vor Zeppelins Outdoor-Auftritten in Knebworth im Jahr 1979 untersuchte Page die okkulten Antiquitäten, die im nahegelegenen Herrenhaus aufbewahrt wurden, das einst die Heimat von Edward Bulwer-Lytton, Earl of Knebworth, war.
Im Led-Zeppelin-Lager braute sich jedoch Ärger zusammen: Sänger Plant und seine Frau wurden 1975 bei einem Autounfall schwer verletzt, und Plants kleiner Sohn starb 1977 an einer Infektion, kurz nachdem John Bonham, Peter Grant und zwei weitere Mitglieder der Gruppe dabei waren. Das Straßenteam der Gruppe wurde wegen Körperverletzung hinter der Bühne eines Konzerts in Oakland festgenommen. Zu diesem Zeitpunkt war Jimmy Page selbst, wie viele Rockstars dieser Zeit, in eine schwere Kokain- und Heroinsucht verwickelt. Page hatte Kenneth Anger auch bei einer Auktion von Aleister-Crowley-Sammlerstücken kennengelernt, bei der der reiche Gitarrenheld den kämpfenden Cineasten überbot, und Page hatte sich bereit erklärt, kostenlos einen Soundtrack für Angers laufendes Projekt „Lucifer Rising“ zu komponieren. Die beiden zerstritten sich jedoch, als Anger sich über Pages Verzögerungen bei der Bereitstellung brauchbarer Musik beschwerte, während Page sich darüber ärgerte, dass Anger im Keller seines Tower House einen Bearbeitungsraum eingerichtet hatte und Besuchern unerlaubte Führungen durch die Räumlichkeiten anbot. Anger brach 1976 öffentlich mit Page, erzählte Journalisten von Pages Drogenproblemen und drohte: „Ich bin bereit, einen Kenneth-Anger-Fluch auszusprechen!“ Anger wurde schließlich 1980 in „Lucifer Rising“ gezeigt, mit verschiedenen Aufnahmen von ihm selbst, Page, einer stark unter Drogen stehenden Marianne Faithfull und Mick Jaggers Bruder Chris. Der offizielle Soundtrack wurde Bobby Beausoleil zugeschrieben, einem inhaftierten Mörder und Mitglied der Familie Charles Manson.
Led Zeppelin lösten sich offiziell im Dezember 1980 auf, nachdem sich John Bonham drei Monate zuvor bei einem Rausch in Pages Haus in Windsor zu Tode getrunken hatte, ein Jahr nachdem ein anderer junger Freund der Band in Pages Haus in Sussex tot aufgefunden worden war, weil er versehentlich eine Überdosis eingenommen hatte. In den letzten Jahren der Band und weit darüber hinaus behaupteten sowohl Fans als auch amerikanische Anti-Rock-religiöse Eiferer, in Led Zeppelins berühmtem „Stairway to Heaven“ unterschwellige „Botschaften“ zu hören, wenn die epische Komposition rückwärts gespielt wurde. Zu den hörbaren Geräuschen darin gehörten angeblich die folgenden Sätze:
Es gibt kein Entkommen!
Wessen Weg wird mich traurig machen, dessen Macht Satan ist!
Er wird dir 666 geben!
Auf meinen süßen Satan!
Zu diesem Zeitpunkt hatten die Boulevardpresse in Großbritannien und Rockpublikationen in Amerika damit begonnen, Geschichten über den „Zeppelin-Fluch“ zu drucken, der dem Quartett so viel Unglück gebracht hatte. Zusätzlich zu den „Rückwärtsmaskierungs“-Gerüchten im Zusammenhang mit „Stairway to Heaven“ – die 1982 bis zu einem Ausschuss des kalifornischen Landtags reichten – gab es weitere mutmaßliche Gerüchte, dass Page tatsächlich seine Seele, die von Robert Plant und die von John Bonham verkauft hatte an den Teufel im Austausch für die enorme Popularität von Led Zeppelin. John Paul Jones, der zurückhaltende Musiker des Ensembles, weigerte sich, den höllischen Vertrag zu unterzeichnen (so hieß es), und vermied dadurch den Tod und das Leid, das die anderen traf. Diese Geschichten spiegelten Led Zeppelins rätselhafte Albumcover, ihre lauten, dramatischen Platten und Shows, Plants mystische Texte und das notorisch verschwenderische Privatleben und die gewalttätigen Sicherheitsvorkehrungen der Spieler wider, ihren Ursprung hatten sie jedoch in Jimmy Pages eingestandenem Interesse am Okkultismus.
Doch schon 1976 schreckte Page vor den spekulativen Berichten zurück. „Ich verehre den Teufel nicht“, behauptete er in diesem Jahr in einem Rolling-Stone-Interview. „Aber Magie fasziniert mich. Magie aller Art.“ Er fuhr fort, seinem Interviewer, dem Journalisten Cameron Crowe, zu sagen: „Ich werde keine der Geschichten leugnen. Ich bin kein Dummkopf. Ich weiß, wie wichtig die Mystik ist. Warum sollte ich es jetzt vermasseln?“ Nach dem Tod von Plants Kind und dem aufkommenden „Fluch“-Mythos blieb Page härter: „Das gesamte Konzept der Band ist Unterhaltung“, sagte er der britischen Musikzeitung Melody Maker. „Ich sehe keinen Zusammenhang zwischen dem und Karma, und doch habe ich es ein paar Mal über uns geschrieben gesehen, wie: Noch ein Vorfall in Zeppelins Karma. Es ist eine schreckliche, geschmacklose Aussage.“
Page hat sein Interesse an Aleister Crowley nie geleugnet und gilt als praktizierender Thelemit und immer noch mit Crowleys Ordo Templi Orientis (Orden des Tempels des Ostens) verbunden, sagte jedoch 2003 gegenüber der Zeitschrift Guitar World: „Es ist bedauerlich, dass meine Studien der Mystik sowie östliche und westliche Traditionen der Magie und des Tantrismus sind alle unter dem Dach von Crowley zusammengefasst. Ja klar, ich habe viel von Crowley gelesen und war von seinen Techniken und Ideen fasziniert. Aber ich habe das Ganze gelesen. Es war in den sechziger Jahren nicht ungewöhnlich, sich für vergleichende Religionen und Magie zu interessieren.“ Lange nach dem Tod von Led Zeppelin und seinem Eintritt in den Ruhestand musste Page die skurrilen Verfluchungen und rückständigen Verleumdungen, die in den Siebzigern aufkamen, zerstreuen. „Ich möchte nicht in zu viele Gegenreaktionen von christlich-fundamentalistischen Gruppen geraten“, wurde er 1995 zitiert. „Ich habe diesen Leuten bereits zu viel Aufmerksamkeit geschenkt.“ Im Jahr 2000 erhob er rechtliche Schritte gegen ein Londoner Magazin, das eine Geschichte veröffentlichte, in der es hieß, er habe satanische Zauber auf John Bonham gewirkt, als der Schlagzeuger starb; die Geschichte wurde zurückgezogen und Page wurde Schadensersatz gezahlt, den der millionenschwere Musiker und Okkultist für wohltätige Zwecke spendete.
Im Laufe des Bestehens der Gruppe und in ihrem gewaltigen posthumen Einfluss kamen nach und nach Vorwürfe rund um Led Zeppelin auf. Aber 1969 hatte der aufstrebende Zeppelin in Los Angeles Auftritte mit einem anderen Künstler geteilt, der in den ersten Jahren des nächsten Jahrzehnts einen viel größeren, wenn auch kürzeren Skandal mit einer Flut kontroverser Platten und sensationeller Konzerte auslöste: Alice Cooper. Ursprünglich ein Kollektiv, das vom Meister-Rocksatiriker Frank Zappa gefördert wurde, verschmolz die Band Alice Cooper die raue Teenager-Energie der elektrischen Boogie-Musik – einfacher und weniger gekonnt gespielt als die von Led Zeppelin – mit einer gruseligen Theatralik, die schließlich als „Shock Rock“ bezeichnet wurde. Der Sänger war ein junger Vincent Furnier, ein williger Teilnehmer an der Intrige, der sich bald als Alice selbst identifizierte; Der Name, so behauptete er, sei einer Ouija-Vorstandssitzung entnommen, bei der er erfuhr, dass er tatsächlich die Reinkarnation einer Hexe dieser Bezeichnung aus dem 17. Jahrhundert war.
Cooper trug Make-up und Frauenkleidung auf der Bühne, trat mit einer lebenden Boa Constrictor auf, zerstörte Babypuppen vor dem Publikum, schien sich in klimatischen Schlingen- oder Guillotine-Ritualen zu erhängen oder zu enthaupten, sang Lieder mit den Titeln „Dead Babies“, „Halo of Flies“, „Under My Wheels“, „Only Women Bleed“, „I Love the Dead“, „Black Widow“, „Is It My Body“ und das nekrophile „Cold Ethyl“ und brachten Alben mit dem Titel „Love it to Death“ heraus, Killer, Welcome to My Nightmare und Alice Cooper Goes to Hell. Ein hartnäckiges Volksmärchen besagt, dass Cooper mit Frank Zappa auf der Bühne einen „Ekel-Out“-Wettbewerb gewonnen hatte, bei dem es (je nach Geschichtenerzähler) um die öffentliche Produktion und Aufnahme von Körperausscheidungen ging. Elterngruppen und Mainstream-Kommentatoren waren empört, während die Presse darüber schwärmte.
Im Jahr 1971 schrieb Albert Goldman, Musikkritiker des Life- Magazins: „Die Vorabwerbung für Alice Cooper drehte mir fast den Magen um. Es ist eine erschreckende Peinlichkeit. Was alle aus der Fassung bringt, ist das Opfer, das er aus Scham bringt.“ Für ein paar kurze Jahre war Alice Cooper das Nonplusultra der Rock'n'Roll-Hässlichkeit: „Wir sind die Gruppe, die einen Pflock durch das Herz der Liebesgeneration getrieben hat“, sagte er begeisterten Reportern.
Doch schon bald begann Alice Cooper (die Einzelperson), das Shock-Rock-Label herunterzuspielen. Er verleugnete weder seine Musik noch seine Bühnenroutine, machte aber ziemlich deutlich, dass das, was er tat, nicht mehr als eine Spielerei war, die bei Amerikas frustrierten Teenagern und ihren besorgten Müttern und Vätern Anklang gefunden hatte. Cooper verkehrte mit den alten Showbusiness-Persönlichkeiten Groucho Marx und Bob Hope und nahm an sehr unauffälligen Promi-Golfturnieren teil. Hinter den Kulissen war er kein von Satan verrückter Drogenabhängiger, sondern der Sohn eines Pfarrers aus Phoenix, Arizona und funktionierender Alkoholiker. Zufällige Beobachter brachten ihn aufgrund seines grellen Spektakels und seiner schrecklichen lyrischen Themen natürlich mit der aufsteigenden okkulten Welle in Verbindung, aber Insider wussten es besser. Der Journalist Bob Greene begleitete die Cooper-Band auf einer Amerikatournee und bemerkte, wie unbeeindruckt der Sänger von seinem eigenen Hype war. „Er war sich bewusst, dass ein Großteil Amerikas sein krankes, blutgetränktes Image sehr ernst nahm, was ihn umso mehr dazu veranlasste, über sich selbst zu lachen“, schrieb Greene 1974 in seiner Chronik Billion Dollar Baby. „Alice war stolz auf seine Intelligenz und seinen Sinn für Ironie, und im Studio tat er alles, was er konnte, um zu zeigen, dass der Job, die Rolle der Alice Cooper zu spielen, genau das war, ein Job. Er war immer begierig darauf beweisen einmal mehr, dass er sich nicht mit dem gefährlichen Kerl namens Alice Cooper verwechselte, der an die Öffentlichkeit verkauft wurde.“
Während seiner Herrschaft als König des Shock Rock war eine von Alice Coopers Vorbands die Band Blue Öyster Cult von der Ostküste der USA. Im Gegensatz zum Headliner verzichtete The Cult auf eklatante Szenen von Transvestitismus oder öffentlicher Hinrichtung; sie hatten einen ähnlichen Heavy-Rock-Sound, aber mit subtilerem Material, das einen Hauch von Geheimnis bewahrte. Die lyrischen Themen der Gruppe waren oft augenzwinkernd, ebenso wie der etwas lächerliche Gruppenname, aber sie wurden mit einer Intensität vorgetragen (Laserstrahlen und explodierende Blitzlichtkessel waren auf der Bühne üblich), die sie Mitte der Siebziger zu einem beliebten Anziehungspunkt machte. Ein Großteil davon war ihrem Produzenten, Manager und Co-Songwriter Sandy Pearlman zu verdanken, einem Universitätsabsolventen und gelegentlichen Musikkritiker, der als erster gilt, der den Begriff „Heavy Metal“ zur Beschreibung aggressiver, auf Gitarren basierender Rockmusik verwendete. Keyboarder Allen Lanier selbst stellte eine merkwürdige Verbindung zwischen dem knirschenden Stadionrock des Genres Blue Öyster Cult und dem intellektuellen Bohemienismus seiner ehemaligen Partnerin, der Punksängerin Patti Smith, her.
Nach dem Vorbild von Led Zeppelin entwarf BÖC eine Reihe unergründlicher Albumcover, die eine okkulte Bedeutung andeuteten, mit den MC-Escher-artigen Grafiken ihres selbstbetitelten Debüts von 1972 und Tyranny and Mutation im darauffolgenden Jahr, gefolgt vom Luftwaffen-Düsenjäger auf Secret von 1974, während On Your Feet or On Your Knees aus dem Jahr 1975 eine unheimliche schwarze Limousine vor einer alten Kirche vor einem sturmgepeitschten Himmel zeigte. Auf jedem dieser Tableaus befand sich ein kryptisches Logo, das angeblich für die Sense von Kronos, dem Anführer der Titanen der griechischen Mythologie, stand und außerdem das alchemistische Symbol für das schwerste aller Metalle, Blei, darstellte. Wie Jimmy Pages ZoSo wurde das BÖC-Design praktisch zu einem okkulten Markenzeichen, das Millionen von Fans auf ihre eigene Kleidung und andere Accessoires übernahmen. Die Verwendung des Umlauts in „Öyster“, obwohl sie sinnlos war, leitete einen langen Trend ein, den einschüchternden germanischen Akzent auch in anderen Heavy-Metal-Gruppennamen zu verwenden: Mötley Crüe, Motörhead und so weiter. Die Songs der Band deuteten zudem eine leicht Science-Fiction oder transgressive Ästhetik an, darunter Lieblingsnummern wie „Dominance and Submission“, „Subhuman“, „Tattoo Vampire“, „Career of Evil“, „Astronomy“, „I Love the Night“ „Nosferatu“, „Flaming Telepaths“, „ETI [Extra-Terrestrial Intelligence]“ und das Tokio zerstörende Monsterriff von „Godzilla“.
Die größte Hit-Platte von Blue Öyster Cult wurde zu einer der bekanntesten Rock-Singles ihrer Zeit und zu einer der gruseligsten. „Don't Fear The Reaper“ wurde vom Gitarristen Donald Roeser unter seinem weitaus cooleren Pseudonym Buck Dharma komponiert und war eine gespenstische Moll-Ballade über den Selbstmordpakt eines Liebenden, der auf die lauernde Präsenz des Todes selbst direkt vor dem Vorhangfenster hinwies und den kerzenbeleuchteten Raum. Die morbiden Verse passen perfekt zu den flüsternden Arpeggien und bleiben, wie Led Zeppelins „Stairway to Heaven“, eine Hymne aus düsteren Leidenschaften und Gothic-Kraft. Es wurde in einer Vielzahl späterer filmischer und literarischer Werke zitiert, darunter Stephen Kings Weltuntergangsepos The Stand und eine im Fernsehen übertragene Version von Norman Mailers Sachbuch über den Mörder Gary Gilmore, The Executioner's Song. Das hervorgehobene Album „Agents of Fortune“ aus dem Jahr 1976 enthielt erneut das Cronus-Logo und die geheimnisvollen Bilder von Tarotkarten (sowie Texte von Patti Smith). Für die Legionen junger Rock'n'Roller, die die Melodien auf ihren Gitarren lernten oder die Titel auf ihren Stereoanlagen im Schlafzimmer spielten, waren „(Don't Fear) The Reaper“ und andere BÖC-Werke Einstiege in die Welt des Okkultismus: zugänglich und doch nicht zu entziffern, eingängig und doch verwirrend.
Hardrock- und Heavy-Metal-Bands der späten Sechziger und der Siebziger Jahre bezogen sich häufig auf das Okkulte, entweder direkt in ihrer Musik oder als Teil ihres allgemeinen Verhaltens. Eine wenig bekannte britische Progressive-Rock-Gruppe, Black Widow, komponierte Lieder mit den Titeln „Attack of the Demon“, „The Conjuration“ und „Come to the Sabbat“, während sie auf der Bühne Opferungen nackter Frauen aufführte. Im Jahr 1969 lobte die in Chicago ansässige Psychedelic-Folk-Gruppe Coven die Hexerei und die schwarzen Künste. Entweder durch einen seltsamen Zufall oder durch das Eingreifen dunkler Mächte war ihr Bassist ein gewisser Oz Osborne. Black Widow und Coven waren ihren Idealen vielleicht zu sehr verpflichtet, um ein breites Publikum zu fesseln, aber spätere Outfits eigneten sich aus Spaß und Profitgründen okkulte Insignien an.
Der geschlechtsspezifische Glamour-Star David Bowie erlebte eine Faszination für Aleister Crowley, die durch die extremen Mengen an Kokain, die er konsumierte, noch verstärkt wurde, und erwähnte den Okkultisten und die Goldene Morgenröte in seinem Lied „Quicksand“ von 1971. Das kostümierte Quartett Kiss erschien in bizarrem Make-up als Ensemble mysteriöser Identitäten; Bassist und Sänger Gene Simmons trat als „The Demon“ auf und ließ klassische Theatertricksereien wieder aufleben, um im Konzert Feuer zu spucken und Kunstblut zu spucken. Simmons behauptete auch, den zweifingrigen Heavy-Metal-Gruß erfunden zu haben, den Eiferer als Zeichen des Teufels betrachteten, den der Dämon jedoch erklärte, sei seine Art, seinem Publikum zuzuwinken, während er immer noch seinen Bassgitarrenpickel festhielt. Im Jahr 1977 liehen die cleveren Vermarkter von Kiss ihre Namen und Konterfeis einer Marvel-Comicserie, die angeblich mit dem echten Blut der Mitarbeiter der Gruppe gedruckt war. Die australischen Rocker AC/DC landeten 1979 einen großen Hit mit ihrem Album Highway to Hell, dessen Cover den Gitarristen Angus Young mit Hörnern und einem Teufelsschwanz sowie den Sänger Bon Scott mit dem okkulten Symbol eines Pentagramms an seiner Halskette darstellte.
Diese kleinen, beiläufigen Gesten vielbeschäftigter und ehrgeiziger arbeitender Musiker, von denen einige chronisch betrunken waren, genügten, um die Begeisterung der Fans zu wecken. Der Rockmarkt war in diesen Jahren so groß, dass das Publikum seine eigenen gruseligen urbanen Legenden um Musiker erfand, die weder viel gute Werbung brauchten noch sich die Mühe machten, schlechte zu leugnen. Der Name Kiss war, wie der Hardcore verriet, ein geheimes Akronym für die Rolle der Gruppe als Knights In Satan's Service, während AC/DC für Anti-Christ, Down with Christ stand. Der Dämon und seine Mitritter lachten den ganzen Weg bis zum Ufer. „Völliger Schwachsinn“, schrieb Kiss-Gitarrist Ace „Spaceman“ Frehley 2012 in seinen Memoiren „No Regrets“ über die satanischen Anschuldigungen. „Ich erinnere mich an einige unserer frühen Touren, da gab es religiöse Fanatiker außerhalb der Shows, die unsere Platten verbrannten und sagten, wir seien Teufelsanbeter. Gib mir eine verdammte Pause!“ Unterdessen zuckte Angus Young von AC/DC mit den Schultern: „Nur weil man ein Album Highway to Hell nennt, bekommt man jede Menge Kummer. Wir hatten lediglich beschrieben, wie es ist, vier Jahre lang unterwegs zu sein. Wenn du schläfst, während die Socken des Leadsängers drei Zentimeter von deiner Nase entfernt sind, glaub mir, das kommt der Hölle ziemlich nahe.“
Aber ein Rock-Act der Siebziger identifizierte sich mehr als jeder andere mit dem Okkultismus und wurde tatsächlich zum Prototyp für Hunderte von Okkult-anspielenden Bands, die sich seitdem gebildet haben. Das englische Quartett Black Sabbath kodifizierte den Klang, das Aussehen und die Philosophie eines ganzen Subgenres, das erst im Laufe dieses Jahrzehnts entstehen konnte. Es war Black Sabbath, die Themen wie Mystik, Drogenkonsum und Verzweiflung am deutlichsten in den Rock'n'Roll einführten, und es war Black Sabbath, die das unheilige Evangelium der Dämonologie in der gesamten Popmusikszene verbreitete. Rein in Bezug auf die verkauften Platten und verkauften Tickets waren Sabbath kaum die erfolgreichste Gruppe ihrer Zeit, und bis zum Ende der siebziger Jahre hatte sich die ursprüngliche Besetzung aufgrund persönlicher Erbitterung, rechtlicher und finanzieller Probleme und der unvermeidlichen Substanzprobleme aufgelöst; sie sind ein offensichtliches Ziel, das in der urkomischen „Mockumentary“ This Is Spinal Tap parodiert wird. Aber ihr Einfluss auf ihre eigene und spätere Generationen von Rockhörern ist unübertroffen. Weder die Beatles, noch die Rolling Stones, noch Led Zeppelin, noch Alice Cooper oder Blue Öyster Cult haben den Okkultismus so populär gemacht wie Black Sabbath.
Sabbath wurden 1969 in der verfallenden englischen Industriestadt Birmingham gegründet. Die Mitglieder – Sänger Ozzy Osbourne, Gitarrist Tony Iommi, Bassist Terry Geezer Butler und Schlagzeuger Bill Ward – waren alle kaum Teenager. Wie Tausende von Künstlern, die sich in den örtlichen Clubs der britischen Provinz herumtrieben, waren sie hoffnungsvolle semiprofessionelle Spieler ohne herausragendes Talent oder Originalität, die eher eine Karrierepause als eine kreative Offenbarung brauchten. Durch einen erstaunlichen Zufall bekamen sie beides auf einmal. Iommi spielte und probte ziemlich abgeleiteten elektrischen Blues unter dem Namen Earth und brachte zur Übungsstunde der Band eine einfache Drei-Noten-Sequenz mit, die nicht auf der Standard-I-IV-V-Sequenz von Blues-Progressionen basierte (die Akkorde G, C und D), aber auf einem dissonanten, „falschen“ Muster, das eine abgeflachte fünfte Note der Dur-Tonleiter, in diesem Fall G, ein Oktav-G und das fehlerhafte Cis beinhaltete. In anderen Songwriting-Stilen hätte sich ein solches Intervall einfach falsch angehört, aber das stark verzerrte und rhythmische Grollen des Rocks, gespielt von Earth (in Anlehnung an die bekannten Bands Cream, Jimi Hendrix Experience und Led Zeppelin), machte die Tonverschiebung äußerst effektiv. Das Gewicht wurde noch verstärkt durch die Art und Weise, wie Iommi seine E-Gitarre verstimmte und die Saiten lockerte, um sie an seine greifenden Finger anzupassen, da die Spitzen von zwei Saiten bei einem Unfall in einer Blechfabrik, in der er gearbeitet hatte, abgetrennt worden waren. Bevor der Musik irgendwelche Worte hinzugefügt wurden, war der grundlegende Sound von Black Sabbath festgelegt.
„Eines Tages kam er zur Probe“, erinnerte sich Ozzy Osbourne an Iommis Innovation im Jahr 2001, „und sagte: Ist es nicht lustig, wie Leute Geld bezahlen, um Horrorfilme anzusehen; warum fangen wir nicht an, gruselige Musik zu spielen? Und dann kam ihm das Black Sabbath-Riff, das das gruseligste Riff war, das ich je in meinem Leben gehört habe.“
Es wurde viel Wert auf Black Sabbaths Standardtechnik (manche nannten sie eine Formel) gelegt, in so vielen ihrer Lieder die abgeflachte fünfte Note oder den abgeflachten Akkord zu verwenden: Die liturgischen Komponisten des mittelalterlichen Europas warnten davor, dies in Chor- oder Instrumentalwerke aufzunehmen, und nannten es Diabolus in Musica oder der Teufel in der Musik. Der Begriff scheint eher eine technische als eine religiöse Bedeutung gehabt zu haben – eine Erinnerung für Sänger und Spieler, dass einige Intervalle auf der Tonleiter eher Zwietracht als Harmonie erzeugten – aber im Fall von Sabbath passten die schrillen Töne ihrer Gitarrenfolgen perfekt zu den Texten, die darüber gesungen wurden.
Einer Legende zufolge war der Film, der Iommi dazu veranlasste, „gruselige Musik“ zu spielen, der Boris-Karloff-Film Black Sabbath aus dem Jahr 1964, eine in Italien produzierte Anthologie mit drei Geschichten, in der der alternde Frankenstein-Schauspieler die Hauptattraktion war. Aber der Film selbst ähnelte eher dem kitschigen Hammer-Werk der Fünfziger und Sechziger als dem überaus realistischen Horrorkino, das in den nächsten Jahren erschien. Die wahren Ursprünge von Sabbaths okkulten Neigungen liegen bei Geezer Butler. Butler hatte eine, wie er es später nannte, „strenge katholische“ Erziehung erhalten und interessierte sich als junger Mann für Zauberei und Hexerei, worüber er in der britischen Zeitschrift Man, Myth, and Magic, Büchern von Aleister Crowley und dem Penny-Magazin las. schreckliche Romane des britischen Schriftstellers Dennis Wheatley, darunter „The Devil Rides Out“ und „To the Devil a Daughter“ . Er war äußerst einfallsreich und suggestiv und verarbeitete Elemente von all diesem in die Verse, die er für die Band lieferte.
„Ich habe damals alles Mögliche gesehen, und das nicht durch Drogen“, erklärte er. „Ich war in diese Wohnung gezogen, die ich mit umgekehrten Kreuzen überall schwarz gestrichen hatte. Ozzy gab mir dieses Buch über Magie aus dem 16. Jahrhundert, das er irgendwo gestohlen hatte. Ich habe es in den Schrank gelegt, weil ich mir nicht sicher war. Später in der Nacht wachte ich auf und sah diesen schwarzen Schatten am Ende des Bettes. Ich rannte zum Wäscheschrank, um das Buch wegzuwerfen, aber das Buch war verschwunden. Das machte mir eine Heidenangst.“
Zwischen dem 1970er-Debüt Black Sabbath und der letzten Veröffentlichung der Originalformation, Never Say Die aus dem Jahr 1978 , boten Sabbaths Musik und öffentliches Image eine in ihrem Medium beispiellose Darstellung von Dämonismus und Übernatürlichem. Nicht alle ihrer Lieder handelten vom Okkultismus; Sie befassten sich auch mit Drogenmissbrauch, Paranoia, Einsamkeit, Raumfahrt und sogar dem Rock'n'Roll-Grundnahrungsmittel Young Lust. Aber ein erheblicher Teil des Black Sabbath-Materials befasste sich offen mit dem kosmischen Bösen, das in die Angelegenheiten der Menschen eingriff: erschreckende Titel wie „Black Sabbath“, „The Wizard“, „NIB“ und „Warning“; die pazifistischen Klassiker „War Pigs“ und „Electric Funeral“; das überraschend pro-christliche „After Forever“; „Children of the Grave“, die eindringliche Ballade „Changes“ und das humanistische „Under the Sun“; „Sabbath Bloody Sabbath“, „Supertzar“ und „Gypsy“. Spätere Inkarnationen der Band umfassten eine Parade verschiedener Sänger, Keyboarder und Schlagzeuger, aber sie veröffentlichten immer noch „Heaven and Hell“, „Lady Evil“ und „Die Young“. „Es ist eine satanische Welt“, wurde Geezer Butler 1971 in einem zweifelhaften Artikel des Rolling Stone zitiert. „Der Teufel hat jetzt mehr Kontrolle. Menschen können nicht zusammenkommen, es gibt keine Gleichheit.“
Optisch sah die Band so aus, als ob sie meinten, was sie spielten. Ihre Albumcover zeigten eine grünlich gekleidete Frau in der Nähe einer englischen Wassermühle in der Abenddämmerung (Black Sabbath), einen Schläfer mit von Dämonen befallenen Träumen (Sabbath Bloody Sabbath) und einen surrealen, nicht reflektierenden Spiegel (Sabotage). Die Innenhülle von Black Sabbath zeigte ein umgekehrtes Kreuz. Ein geflügelter Teufel diente als Firmensignatur von Black Sabbath. Auf ihrem Compilation-Album von 1976 standen nur rot-weiße Schriftzüge auf schwarzem Hintergrund: We Sold Our Souls For Rock 'n' Roll. Alle vier ursprünglichen Mitglieder wurden zusammen mit Kruzifix-Halsketten fotografiert, und Iommi verschönerte die üblichen Griffbrettpunkte seiner Gitarren mit winzigen Kreuzen. In einem frühen TV-Clip spielten sie ihr unsterbliches „Paranoid“, überlagert mit einem alptraumhaften Hintergrund aus einem androgynen Gesicht mit Kajalaugen. Auf Werbebildern waren vier junge Männer zu sehen, die ohne zu lächeln hinter einer imposanten Haarpracht hervorlugten.
Kritiker der damaligen Zeit hassten Black Sabbath. Der einflussreiche amerikanische Rezensent Lester Bangs beschrieb sie als „Sub-Zeppelin-Kozmik-Gigant“, Robert Christgau von der Village Voice nannte ihr erstes Album „das Schlimmste der Gegenkultur auf einem Plastikteller“, während Parke Puterbaugh erklärte: „Zu besuchen eines ihrer Konzerte war ungefähr ein so vergnügliches Erlebnis wie ein Gestapo-Verhör.“ Kenner sagten, dass Black Sabbath billigen „Doom Rock“ an drogensüchtige Teenager lieferte, die sich bereits mit dem Okkultismus beschäftigt hatten: sehr laut, sehr anmaßend und sehr dumm. Andere reagierten alarmiert auf Sabbaths offensichtliche Betonung des Teufels und all seiner Werke.
„Die Kirche war im großen Stil gegen uns“, erinnerte sich Tony Iommi 1992. Aber die Bewunderer der Band könnten problematischer gewesen sein, sagte der Gitarrist. „Eines Abends, nachdem wir eine Show beendet hatten, kehrten wir ins Hotel zurück und fanden den Korridor, der zu unseren Zimmern führte, völlig gefüllt mit Menschen in schwarzen Umhängen, die mit Kerzen in den Händen auf dem Boden saßen und Ahhhhh riefen. Also kletterten wir über sie hinweg, um zu unseren Zimmern zu gelangen, aber wir konnten sie immer noch singen hören. Also synchronisierten wir unsere Uhren, öffneten gleichzeitig unsere Türen, bliesen die Kerzen aus und sangen ihnen „Happy Birthday“. Hat sie sauer gemacht. Sie würden einigen der Briefe, die wir erhalten haben, und einige der Leute, die aufgetaucht sind, nicht glauben.“
Die Opfer all dieser Verurteilungen waren vier britische Arbeiter aus der Arbeiterklasse, deren formale Ausbildung bereits abgeschlossen war, lange bevor sie mit Anfang Zwanzig Vollzeit-Rockmusiker wurden. Sie hatten einen erfolgreichen Ansatz gefunden, der ihnen in Großbritannien, Europa und Nordamerika zu Ruhm und Reichtum verhalf, aber es ging ihnen nicht darum, irgendjemanden zum Satanismus zu bekehren; sie hatten sich noch nicht einmal bekehrt. Wie Alice Cooper mit seinen Blutbädern auf der Bühne und Kiss mit Make-up und Plateaustiefeln gaben die angeblich teuflischen Sabbath-Spieler fast zu, dass sie nur einen Pitch spielten, der sich auszahlte. „Ich habe Interviews mit christlichen Zeitungen geführt, in denen, wenn ich darüber spreche, wie sehr ich Jesus respektiere, sie sagen: Aber du kannst Jesus unmöglich respektieren! Sonst wärst du nicht in einer Rockband!“, Geezer Butler hat sich erinnert. „Ich meine, ja, uns gefiel die Idee, was darüber hinausgeht, aber als Interesse“, stellte Iommi klar. „Sicherlich keineswegs als die Praxis einer solchen. Und das ist eigentlich alles.“ Für Millionen von Sabbathörern war es jedoch unerheblich, ob die Mitglieder der Gruppe das praktizierten, was sie zu predigen schienen. Sie machten das Okkulte in ihren Kopfhörern, auf ihren T-Shirts und in ihren Konzertsälen sofort präsent. Es gab keinen Zweifel an Black Sabbath.
Okkult orientierte Acts und Musik waren natürlich nicht der einzige Trend im Rock'n'Roll der sechziger und siebziger Jahre. Es gab Folk und Fusion, Punk und Reggae, den Easy Listening von Linda Ronstadt und den sexy Soul von Donna Summer. Die Blütezeit der Rolling Stones lag jedoch ungefähr zwischen 1968 und 1973, den Jahren von Their Satanic Majesties Request, „Sympathy For the Devil“ und „Dancing With Mr. D.“ Led Zeppelin haben seit 1969 fast 300 Millionen Platten verkauft und „Stairway to Heaven“, ob vorwärts oder rückwärts, gilt als ihr Meisterwerk. Von 1972 bis 1975 war Alice Cooper eine unausweichliche Medienpräsenz; Das Gleiche gilt für Kiss von 1975 bis 1979. „(Don't Fear) The Reaper“ von Blue Öyster Cult war 1976 ein Top-Ten-Hit in den USA. Highway to Hell von AC/DC war das erste millionenfach verkaufte Album des langlebigen Quintetts. Über 20 Millionen Exemplare von Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band wird seit 1967 auf der ganzen Welt verkauft, was 20 Millionen Thumbnail-Werbungen für Aleister Crowley entspricht, die auf der ganzen Welt eingegangen sind. Im Jahr 2006 wurden Black Sabbath schließlich in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Die Gruppe hat weltweit 75 Millionen Alben verkauft. Ihr 2013er Album 13 begann mit der Single „God Is Dead“.
Der großen Bevölkerungsgruppe der Baby Boomer im Alter von Anfang Teenager bis Ende Zwanzig wurde das Okkulte in ihrer Lingua Franca der Rockmusik nahegebracht. Ein großer Teil der Vermittlung – durch junge Darsteller, die unregelmäßig nach persönlichen oder philosophischen Antworten suchten – war zweckmäßig oder zufällig. Aber seine Aufnahme – durch Menschen, denen der Rock tiefe Wahrheiten mitteilte, die ihre Ältesten ihnen lange vorenthalten hatten – veränderte die spirituelle Einstellung einer Generation. Und als diese Generation schließlich das Radio ausschaltete und die Schallplatten wieder in die Tasche steckte, stellte sie fest, dass ihnen das Okkulte nicht nur durch Popsongs zugänglich war und dass auch ihre Älteren eine eigene spirituelle Transformation durchliefen.